José
Luis Cuerda lo ha vuelto a hacer, casi 30 años después del estreno
de Amanece
que no es poco
ha creado un nuevo relato a la altura de aquel, donde el humor
absurdo, el surruralismo,
el ingenio, las actuaciones de primer nivel, la crítica al mundo que
nos rodea (poco han cambiado las cosas para ser el año 9177, milenio
arriba o abajo) y la originalidad brillan por su presencia.
En este lejano año, dos de los edificios más singulares de Madrid, las
Torres Blancas y la sede del Instituto del Patrimonio Cultural de
España, popularmente conocido como la corona
de espinas,
se han fusionado y se han convertido en el Edificio Representativo.
Allí viven los privilegiados que cuentan con un oficio, orden,
seguridad y una peculiar administración municipal y de Justicia.
Mientras, los parados viven en barracones ubicados en un bosque
cercano. Eso es todo lo que queda del mundo tal y como lo conocemos
hoy en día.
A partir de ahí, se suceden delirantes
secuencias, reflexiones filosóficas, aforismos, declamaciones de
poemas en lugares comunes que parecen olvidados en el imaginario
colectivo actual, convertidos en ágoras donde se agudiza el ingenio
y la retranca está al orden del día. Buena parte de los diálogos
de Tiempo
después
los veremos dentro de poco reflejados en camisetas o siendo parte de
las conversaciones de la legión de seguidores de este cine, tal y
como ocurre todavía hoy con Amanece
que no es poco.
Como
decíamos en las primeras líneas de esta entrada, las actuaciones
del reparto coral de Tiempo
después
son magníficas, partiendo del siempre solvente Manolo Solo, pasando
por Gabino Diego y terminando por el gran Miguel Rellán. Es
imposible destacar a todo el elenco. Ciertamente divertido es darse
cuenta de la multitud de cameos que hay a lo largo de la película.
Hasta el mismísimo Joaquín Sabina pone su grano de arena en esta
historia con la canción original de la cinta. Tiempo
después,
estrenada con mucho acierto el día de los inocentes, ha llegado para
quedarse y para enriquecer, todavía más, la filmografía de José
Luis Cuerda, el acabose del cine español.
Cuando
cualquier atisbo de civilización desaparece y la ley brilla por su
ausencia, cuando todo está destruido, no hay comida, ni agua y
sobrevivir es algo irracional, hay tipos que contra toda lógica no
sólo no huyen sino que además se ponen del lado de los más
desfavorecidos y luchan para que el resto del mundo sepa lo que
ocurre en esa esquina del mundo olvidada por el resto de la
Humanidad. Uno de estos tipos se llamaba Richard Kapuscinski y
escribió un libro con el mismo título en el que se basa esta
película dirigida por Raúl de la Fuente y Damian Nenow.
Un
día más con vida
se divide en dos partes, la primera, animada, narra las aventuras de
Kapuscinski en Angola en 1975, cuando Portugal abandona su antigua
colonia. Tanto EE.UU. como la U.R.S.S. intentan conquistar el nuevo
país con el objetivo de hacerse con sus recursos naturales: los
yacimientos de petróleo y las minas de diamantes. La segunda parte
es una trama documental donde los personajes reales que participan en
la historia dibujada nos relatan su experiencia en primer e íntimo
plano.
El mérito real de Un
día más con vida,
aparte de mostrar con todo lujo de detalles el horror de este
conflicto armado y el hecho de ser un país codiciado por las dos
súper potencias, es poner al espectador en los zapatos del reportero
de guerra y de los dilemas que tiene que afrontar a la hora de
ejercer su profesión en tan dramáticas circunstancias, en hacerle
reflexionar sobre qué hacer cuando estás en medio de la sinrazón y
la locura. En el aspecto puramente audiovisual, la cinta es
espectacular: onírica, hipnótica, dramática, cuenta con un montaje
trepidante y todo ello acompañado de unos testimonios documentales
demoledores. Un
día más con vida
ha venido para ser un clásico del cine anti bélico.
Siempre
hay que pasar por caja en El
reino
de Rodrigo Sorogoyen y lo más importarte, hay que ser fiel súbdito
y obediente a lo que te dicen. Por mucho que hayamos leído
reportajes periodísticos o películas acerca de la corrupción,
léase B,
la película,
uno no sale de su asombro al ver determinadas escenas, escuchar
ciertas conversaciones y observar ciertas conductas.
Un grupo
de políticos miembros del Partido
viven instalados en la mentira, el lujo y la ostentación, pero las
cosas comienzan a torcerse dentro del grupo de cómplices. La lucha
por la supervivencia comienza y no va a haber prisioneros, nunca
mejor dicho. Más allá de la narración de la propia historia de El
reino
y de reflejar una de las peores épocas del panorama político
español, la cinta de Sorogoyen tiene el indudable mérito de colocar
la pelota en el tejado del espectador mediante agudos mensajes y
hacerle reflexionar, le coloca delante del espejo. El papel jugado
por los medios de comunicación durante este tiempo tampoco sale
indemne de este sarao.
El reparto de El
reino
es otro valor añadido a la película. Antonio de la Torre marca otro
hito en su carrera y deja, junto a Luis Zahera, una secuencia que
será recordada por mucho tiempo en el cine español. Josep María
Pou, Ana Wagener, Nacho Fresneda, Bárbara Lennie y Mónica López
completan el elenco de personajes de esta historia que merece
permanecer en la memoria colectiva de este país, más que nada para
evitar caer en el mismo error.
El
próximo domingo se celebrará la Asamblea de Socios Compromisarios
del Real Madrid. Hace unos días saltó la sorpresa al conocerse que
el actual Presidente y su Junta Directiva pedirán permiso en esta
convocatoria, como obligan los estatutos, para endeudar al club
durante los próximos treinta años por un importe de 575 millones de
euros para financiar las obras de remodelación del estadio Santiago
Bernabéu. Ya saben, se trata de la faraónica obra que pretende
envolver de una capa metálica su actual fachada y además techar el
campo. Esta nueva transformación del coliseo del Paseo de la
Castellana es una promesa incumplida por el señor Pérez desde el
año 2004. Una vez que ha fallado el plan de encontrar la
financiación necesaria a cambio de patrocinar el nombre oficial del
estadio, el sr. Pérez pretende costear las obras directamente con el
patrimonio del Club.
Lo primero que llama la atención ha
sido el hecho de que la Junta Directiva pida permiso sólo a los
socios compromisarios, miembros de una asamblea que salió de las
elecciones celebradas en 2016. Hablamos de un proceso electoral en el que el censo de los
millares era denegado a los candidatos, donde para ejercer el derecho
al voto por correo se exigía un aval notarial que suponía adelantar
100 euros del propio bolsillo del votante. Por todo ello, todos los
socios del Real Madrid, no sólo los compromisarios, auténticos
dueños del club según las propias palabras del sr. Pérez, deberían
decidir si el club debe meterse en este berenjenal o no.
Hay
quién ve en esta nueva actuación la continuación en el devenir
histórico del club desde los tiempos de Bernabéu. Vayamos por
partes. Don Santiago, cuando accedió a la presidencia del Real
Madrid, se encontró con el estadio de Chamartín prácticamente
derruido después de la Guerra Civil, un campo de unos 15.000
espectadores creado para acoger a los aficionados que fueron testigos
del paso del fútbol amateur al profesional. Convertir las cenizas
este viejo y querido campo en otro completamente nuevo, moderno y con
capacidad de 120.000 espectadores y además convencer a los propios
socios de que financien la obra es una clara muestra de liderazgo, de
visión de futuro y de servicio al club.
En cambio, el sr.
Pérez quiere emprender una obra faraónica y gastar una barbaridad
de dinero, en lugar de hacerlo en fichajes o invertirlo en la
cantera, para convertir un estadio que ya tiene todas las comodidades
y es considerado 5 estrellas por la UEFA en otro muy distinto donde
tendrán cabida aquellos que en lugar de ver fútbol, se pasan el
partido haciéndose autorretratos y subirlos a Instagram, donde el
socio de a pie cada vez pinta menos y todo ello, por supuesto, sin
aumentar el aforo ni un solo asiento. Por tanto, esta reforma no es
obra de un adelantado a su tiempo, ni de un líder sino de alguien
que pretende pasar a la posteridad como yo
fui el que lo hizo,
por su ego mayúsculo, por culto a su personalidad. No se trata de
caer en el inmovilismo, nadie se niega a actualizar o a modernizar su
propia casa, pero 50 o 100 millones de euros dan para hacer muchas
cosas.
El domingo por la mañana podremos ver cómo discurre
la Asamblea a través de los medios de comunicación... no oficiales,
claro. El socio del Real Madrid se pregunta para qué tenemos un
canal de televisión en la TDT. En anteriores asambleas, Real Madrid
Televisión retransmitió única y exclusivamente el discurso del
presidente dejando fuera de la emisión las intervenciones de los
socios, para a continuación programar un partido del equipo alevín
o del cadete, curiosa manera de silenciar la opinión del socio de a
pie. Veremos qué pasa, pero desde este foro se pide que la consulta
se amplíe a toda la masa social y que este voto sea negativo al
endeudamiento salvaje, para que el Madrid sea de sus socios, para que
el estadio Santiago Bernabéu siga siendo la casa del madridismo,
para que el Real Madrid continúe invirtiendo sus recursos para
seguir teniendo la mejor cantera y el mejor proyecto deportivo.
Uno
sale del cine pensado si este no es otro caso de mala elección a la
hora de titular una película, ya que la traducción literal al
castellano del noruego Hva
vil volk
sería: lo
que dirá la gente.
Es posible que el espectador, al ver los anuncios del film, crea que
va a ver una encantadora road
movie oriental,
pero nada más lejos de la realidad.
El
viaje de Nisha
es la recreación, dramatizada convenientemente, de la experiencia
personal de Iram Haq, directora de la cinta. Más allá del choque
cultural, que lo hay, estamos delante de una película de conflicto
generacional. Amir, el padre de Nisha, vive más preocupado de ser
socialmente aceptado por su comunidad que de la felicidad de su
propia familia. Así, el círculo vicioso de los miserables, de los
pobres de espíritu y de los cortos de miras se alimenta a sí mismo
bajo la premisa de las leyes de la ortodoxia de los necios: es más
importante que los vecinos nos sigan saludando por la calle que
nuestra hija tenga una vida plena de acuerdo al lugar donde vive.
De
nacionalidad noruega, alemana y sueca, El viaje de Nisha nos enfrenta
a un buen drama sostenido por un grupo de jóvenes actores. Maria
Mozhdah, (Nisha) debuta en la gran pantalla con nota; Rohit Saraf
(Amir) y Ali Arfan (Asif) dan la réplica a los veteranos Adil
Hussain (For real, Lesson in forgetting, El fundamentalista reciente,
The Xpose) y Ekavali Khanna, experta actriz de Bollywood. Aunque esta
película fue producida en 2017, se ha estrenado en España el pasado
17 de agosto.
Ayer
al medio día saltó la noticia, La Liga de Fútbol Profesional ha
alcanzado un acuerdo de quince años con Relevent, multinacional de
medios, deportes y entretenimiento radicada en Miami para disputar
partidos oficiales de 1ª División en Estados Unidos. En el artículo
de Robert Álvarez publicado en el diario El País se explican los
términos del acuerdo: los objetivos son aumentar la marca el fútbol
español en Norteamérica al mismo tiempo que se promociona el
deporte rey antes de celebrar el Mundial 2016 allí.
Mercadotecnia,
expansión, volumen de negocio, joint
venture son
términos que cada vez más están sustituyendo a las palabras a las
que estaba acostumbrado el aficionado que lleva siguiendo, sintiendo,
a su equipo desde hace años, durante décadas. En España todo esto se traduce en horarios infames (partidos en día
laborable a las 13:00 horas -sábados- o a las 22:00 -viernes o lunes
por la noche-), entradas a precios desorbitados, calendarios
modificados a voluntad de las operadoras de televisión sin tener en
cuenta el perjuicio causado a los aficionados que planean y costean
de su propio bolsillo viajes y entradas, competiciones artificiales
encajadas con calzador en un calendario lo suficientemente cargado de
partidos y que a diferencia de otras ligas europeas, no se conoce día
y hora de los encuentros hasta poco tiempo antes.Hay
opiniones a favor de este acuerdo recién alcanzado. El argumento
suele ser parecido en todos ellos: si
la NBA lo hace, ¿por qué no el fútbol español?, necesitamos
nuevas vías de ingresos para que los mejores jugadores sigan aquí,
hay que evolucionar.
Bien, vayamos por partes:
-La NBA se rige por un sistema de
franquicias, Los Ángeles Lakers antes fueron los Detroit Gems o los
Minneapolis Lakers, los Oklahoma Thunders antes fueron los Seattle
Supersonics, los Charlotte Hornets fueron los New Orleans Hornets
para regresar de nuevo años más tarde a la misma ciudad. ¿Qué
tiene que ver el sistema de franquicias con el fútbol español o es
que se quiere llegar a ese extremo? En todo caso, la NBA es la máxima
liga mundial del baloncesto gracias a los extraordinarios jugadores
que tienen y a canchas como el Madison Square Garden, el TD Garden de
Boston o el Staples Center de Los Ángeles, no por los partidos que
han podido jugar por el mundo. Así como la Premier League es lo que
es gracias a estadios como Old Trafford, Wembley o Anfield
Road.
-Durante los casi 90 años que lleva disputándose la
Liga española los mejores jugadores del mundo se han vestido de
corto aquí sin que por ello sus clubes hayan tenido la necesidad de
disputar un solo partido más allá de nuestras fronteras. Hablamos
de Di Stefano, Kubala, Czibor, Puskas, Breitner, Cruyff, Kempes,
Maradona, Schuster, Futre, Laudrup, Romario, Rivaldo, Ronaldo, Figo,
Zidane, Raúl, Xavi, Iniesta, Messi, Cristiano Ronaldo... Si todos
ellos vinieron antes ¿por qué los clubes españoles no van poder
seguir fichándolos -o sacándolos de sus canteras- sin la necesidad de jugar la Liga en otro
continente? ¿Jeques, clubes-estado? Existen y existirán, pero
conviene recordar que a día de hoy el Nottingham Forest tiene el
doble de copas de Europa de las que lucen el Manchester City o el
París Saint Germain en sus vitrinas.
-Que el mundo cambia a
una velocidad de vértigo es innegable y el fútbol no se quedará al
margen, qué duda cabe, pero hay un término medio que permita ser
respetuoso con la cultura de club, con el sentimiento del aficionado
que no lo olvidemos, ha traído en volandas al fútbol español hasta
aquí. Por ejemplo, en este foro se lanzó hace tiempo una propuesta
de calendario de fútbol donde todo tenía cabida: reducción de
equipos de la 1ª División de todos los países europeos a 18 o
incluso a 16 equipos, la competición oficial se disputaría
exclusivamente en fin de semana de septiembre a mayo quedando las
jornadas de entre semana para las competiciones europeas en otoño y
primavera y en invierno para la Copa del Rey a partido único. El mes
de junio quedaría libre en exclusiva para hacer giras, campeonatos
amistosos por los cinco continentes y así promocionarse, crear
mercado y todo lo que se quiera. Julio estaría destinado a las
vacaciones y agosto pretemporada. ¿De verdad es tan difícil
llevarlo a cabo?
Ayer por la tarde, Javier Tebas, presidente de La Liga, publicó un
tuit donde instaba a tender puentes y a seguir creciendo,
transmitiendo los valores del fútbol español. Tendamos puentes, sí,
pero para que los aficionados de todo el mundo vengan a nuestro país
a conocer nuestros magníficos estadios, a empaparse de la cultura de
los clubes que siguen, a conocer dónde jugaron sus leyendas, a ver
las salas de trofeos que presumen de historiales inigualables. Así,
de paso, fomentaremos el turismo en nuestro propio país con los
beneficios que ello implica: nuevos puestos de trabajo, aumento de la
actividad económica, etc... El futbol español ha conseguido ser el
mejor del mundo a nivel de clubes y de selecciones jugando siempre en
casa, ¿por qué dejar de hacerlo?
Publicado
la pasada primavera, Devoción
viene a completar la bibliografía de Patti Smith después de
escribir Un
fuego de origen desconocido,
Babel,
Apuntes
de estética,
Éramos
unos niños,
El
mar de coral,
Tejiendo
sueños
y M
Train.
En este caso nos encontramos con un breve relato, Devoción,
que viene acompañado de dos pequeñas historias.
En la
primera de ellas, titulada Cómo
funciona la mente,
Smith cuenta un viaje a París organizado por su editorial para dar
unas charlas sobre literatura. Allí, Smith encuentra a través de
los recuerdos que le evoca la capital francesa y de los paisajes que
encuentra en su camino, la inspiración para su nueva obra. Es un
viaje donde lo real se confunde con lo imaginario y donde la
nostalgia y las ausencias nos guían por las calles
parisinas.
Devoción,
relato que da título al libro, es un cuento tan breve como áspero,
unos pocos personajes nos exponen al desarraigo de la emigración
forzada por la guerra, a la búsqueda de la inspiración que mueve la
creatividad, de la pérdida de la inocencia, del paso de la
adolescencia a la vida adulta en la posguerra de la Segunda Guerra
Mundial, la misma que le tocó vivir a la generación de Patti
Smith.
Luego de terminar Devoción
nos encontramos con Un
sueño no es un sueño.
Patti Smith nos lleva de la mano al lugar donde Albert Camus estuvo
escribiendo El
primer hombre,
la casa familiar del Nobel galo en Lourmarin, en el sureste francés,
muy cerca de Avignon. La invitación para visitar el santuario del
escritor francés vino de la propia hija de Camus, Catherine. All
Smith pudo visitar los mismos parajes y sobre todo el estudio donde
Camus pasaba las horas escribiendo.
Así pues, Devoción
no es otra cosa que un elogio de la inspiración literaria, los
motivos que nos impulsan a crear una historia a partir de la nada, de
las musas que hacen que las palabras den voz a la arquitectura
narrativa, porque al fin y al cabo, como señala la autora, de qué
están hechos los libros sino de palabras. Devoción
se puede resumir en esta última reflexión de Patti Smith: ¿Por
qué escribimos? Porque no podemos limitarnos a vivir.
Hace
unas semanas que el cuarto álbum de Findlay Brown salió a la venta.
Not
everything beautiful is good
entronca directamente con el primer y tercer disco de Brown Separated
by the sea
(2007) y Slow light (2015), quedando Love will find you (2011)
como único testimonio del lado pop rock de Brown, de momento. Por lo tanto hablamos de folk intimista, de americana.
La parte luminosa, conmovedora de Not
everything good is beautiful
viene de canciones como Call it what you want,
Feet
to the flame, Feathers from the fray, When the light go out y
la estupenda Sound
of the distance
con ese elegante sonido del folk de los años 70. Todas ellas son
canciones poderosas, conductoras de una misteriosa belleza que sin
duda emociona. Con Only
what is real
y Home
aflora el Brown
más intimista. Esta última canción estuvo a punto de no ser
publicada ya que habla directamente de su propio hogar, de su
familia, como reconoce el propio músico británico en su página
web.
Pero este disco tiene también su parte sombría. Seven
Hours
es una canción compuesta de cinco eternos minutos con inquietantes
melodías y letras que parecen estar en bucle Brown habla de una
pareja de ciencia ficción, de la historia de dos amantes que se
encuentran en distintas dimensiones. Otra rareza que encontramos en
Not
everything good is beautiful
es la acústica In
search of the golden flower,
una breve pieza ambient
de dos minutos, un hipnótico colchón donde lo mejor es dejarse
llevar por él.
Findlay Brown, nacido hace 42 años en York,
Reino Unido, comenzó a componer su cuarto disco en Nueva York, donde
residía hasta este mismo año en el que se ha trasladado en busca de
tranquilidad a un enclave rural muy cercano a la capital danesa,
Copenhague. Allí fue donde se realizó la mayor parte de Not
everything good is beautiful. Acompañado
de músicos locales, Brown finalizó este interesante disco que,
según sus propias palabras, es tanto un testimonio del trabajo de un
equipo como de una composición honesta.
Acaba
de finalizar el Mundial de Rusia con la victoria final de Francia
sobre Croacia. La excepcional competición que rige la vida de los
futboleros y hace que éstos contabilicen sus vidas en periodos de
cuatro años termina y por cómo ha transcurrido deja varios aspectos
dignos de ser analizados.
La
concesión del Mundial
En
primer lugar, aunque las informaciones que llegan desde Rusia hablan
de modélica organización y ausencia total de violencia, detalle que
por supuesto hay que celebrar y aplaudir, cabe pedir a la FIFA que se
piense dos veces a quién concede la organización de la competición
deportiva más seguida en el mundo. Si un país invade parte de otros
y no respeta los derechos básicos de determinados colectivos
ciudadanos y aun así se le concede un Mundial de fútbol, con este
gesto parece que se aprueban estos deleznables actos. La siguiente
cita la organizará Catar donde los obreros que trabajaron en la
construcción de los estadios sufrieron unas condiciones de vida
penosas, lo que viene a subrayar lo anteriormente comentado. Además,
por primera vez en la historia gracias a esta desafortunada elección,
el Mundial se celebrará a finales del otoño septentrional. Este
detalle, sin duda, supone un agravio comparativo con los demás
países del hemisferio sur, Argentina, Brasil, Uruguay, Chile y
Sudáfrica que tuvieron que organizar sus mundiales en pleno invierno
austral.
El
juego visto
En
relación con el juego visto a lo largo del Mundial de 2018, en
general ha habido más emoción que buen juego. Por supuesto ha
habido grandes partidos como el Japón – Bélgica, el Francia –
Argentina o sin ir más lejos el España - Portugal en la fase de
grupos. Una vez metidas las selecciones supervivientes en las fases
de eliminatoria directa, ha primado la búsqueda del resultado por la
vía del máximo aprovechamiento de los errores ajenos y empleándose
a fondo en el orden defensivo y en no conceder oportunidades de gol.
Sin duda alguna, el sobrecargado calendario del fútbol profesional
basado en la lógica de la mercadotecnia, de las audiencias y del
puro y duro beneficio económico más que en el razonamiento
deportivo tiene buena parte de la culpa. La temporada 2017-18 arrancó
a mediados del pasado mes de agosto y justo once meses después ha
finalizado de forma oficial. Los futbolistas que juegan en clubes
inmersos en competiciones continentales han jugado a lo largo de
estos once meses una media de tres partidos semanales a los que hay
que sumar viajes -algunos de ellos intercontinentales con lo que hay
que añadir el desgaste del desfase horario-, entrenamientos,
etcétera... En consecuencia, los principales actores de este
negocio, los futbolistas, han llegado a la máxima cita totalmente
exhaustos. El deporte en general y el fútbol en particular merece
una profunda reflexión de sus dirigentes sobre este aspecto.
El
papel de España
Toca
ahora hablar del papel jugado por la selección española. Sin duda,
el despido de Lopetegui a dos días de empezar la competición marcó
el destino de España en el Mundial. Pasadas ya unas semanas habiendo
leído y escuchado las más diversas opiniones sobre lo ocurrido este
bloguero llega a la conclusión de que los tres actores implicados
actuaron mal. Por parte del Real Madrid se antoja casi imposible
pensar que Lopetegui fuera la primera opción para sustituir a
Zidane, ¿de verdad el Real Madrid no tenía otro entrenador que el
seleccionador español? Si en definitiva fue así, ¿había que
ficharlo a dos días que empezara el Mundial, no se podía esperar a
terminar la competición? Después de todo, el Real Madrid no es un
equipo que se caracterice por consultar posibles fichajes, diseños
de plantilla y de proyectos a corto, medio o largo plazo a sus
entrenadores.
Por parte de Lopetegui, ¿en qué estaba
pensando cuando recibió la llamada del Madrid, no había sido él
quien meditaba pedir a los jugadores que se olvidaran de todo y se
concentraran en el Mundial? ¿Cuándo decidió fichar por el Madrid,
mientras decidía la alineación contra Portugal, o quizás mientras
analizaba un partido de la selección de Irán? Entrenar al Real
Madrid puede ser una oportunidad única en la vida, cierto, pero
también lo es poder ganar un Mundial.
En le caso de la
Federación, una vez consumado el fichaje optó por la decisión más
traumática de cara al público, cabe preguntarse ¿no podía haberse
dicho en privado a los interesados lo que hubiera que decir y haber
mantenido en el puesto al seleccionador? Con lo sucedido, se
demuestra que el entrenador juega un papel decisivo en un equipo y
también lo importante que es tener una planificación y proyecto
deportivo. En todo este embrollo hay que destacar el papel jugado por
Fernando Hierro, dio un paso al frente, se comió el marrón, una vez
consumada la decepción supo quitarse de en medio y dejar pista libre
al nuevo equipo técnico de la selección. Fue, sin duda, el único
acertado en todas sus decisiones.
Todo lo comentado, ya forma parte del pasado. Se ha acabado el Mundial,
ese maravilloso maratón de partidos excepcional por su periodicidad.
Y lo hemos podido ver en abierto por televisión, quién sabe si por
última vez, tal vez en recuerdo del deporte popular que en su día
fue el fútbol. ¿Quién sabe qué pasará y dónde estaremos en
2022? Mientras tanto, el fútbol no para, ya ha empezado la temporada
2018-19.
Concebida
como homenaje a Harry Dean Stanton, Lucky
es
en esencia una película autobiográfica. John Carrol Lynch firma
esta maravillosa cinta con la que nos hace reflexionar sobre la vida,
la muerte, la soledad... nos preguntamos cómo afrontamos el último
kilómetro de la existencia y las relaciones humanas cuando llegamos
a la etapa final.
Harry Dean Stanton, Lucky, es presentado al
espectador como uno de los míticos personajes del actor: Travis
Henderson, el solitario caminante de la película de Wim Wenders,
Paris, Texas. Desde su casa, un tanto apartada de un fantasmagórico
pueblo, camina todos los días bajo el sol vestido con ropa tres
tallas más grande para completar su rutina diaria. Allí visitará
como todos los días los mismos locales, comprará las pocas cosas
que necesita para sobrevivir y retornará a su casa para ver su
programa favorito por la televisión.
Lucky, como Dean
Stanton, ha superado la barrera de los 90 años. Cada amanecer es
presentado como una sorpresiva victoria sobre la muerte. Lucky, a
pesar de verse y saberse vulnerable, vive y vive y vuelve a vivir.
Sin embargo, sabe que el tiempo se le acaba y el miedo aflora.
Decididamente ácrata y existencialista, Lucky derrocha
ternura y humor aunque quizá no le guste dar esa impresión y lo
hace tan bien que no faltan ganas de levantarse del asiento y
aplaudirle en ciertos pasajes de la película. También aporta una
buena dosis de surrealismo, sobre todo en sus conversaciones con el
encantador Howard que no es otro que el mismísimo David Lynch.
Precisamente otro guiño al recorrido cinematográfico de Dean
Stanton lo encontramos cuando Lucky charla con Fred (Tom Skerritt) en
el bar de Joe, del mismo modo y en los mismos términos que su
hermano
Alvin
en Straight Story.
Lucky fue rodada en 2017. Harry Dean
Stanton desgraciadamente morirá en septiembre de ese mismo año.
Dirigida por John Carroll Lynch sobre el guion de Logan Sparks y
Drago Sumonja, Lucky
deja este crepuscular testimonio de una larga y prolífica carrera
como actor quien nos enseñó con su trabajo, como pocos, que el
tiempo es nuestra principal riqueza.
Después
de 30 años de espera, el Quijote de Terry Gilliam llegó por fin a
la gran pantalla luego de infinidad de problemas para poder llevar a
cabo esta película. Conviene avisar que ésta no es una adaptación
literal del clásico de Cervantes sino una libre y moderna versión
del mismo.
Un director publicitario, Adam Driver, vuelve al
pequeño pueblo español donde años antes, como proyecto de fin de
carrera, rodó su propia versión del Quijote. A partir de ahí, vive
en sus propias carnes las consecuencias que aquel rodaje produjo en
los habitantes de aquella pequeña localidad, en especial de Javier
(Jonathan Pryce), un anciano zapatero quien fue elegido por el joven
director como intérprete de Alonso Quijano.
A lo largo de más
de dos horas Gilliam juega con el espectador con continuos saltos
temporales donde se reconocen los capítulos originales de Cervantes
discurriendo en la delgada línea que separa el surrealismo del
humor, la genialidad del despiste absoluto y del disfrute con la
sensación del engaño.
La magnífica interpretación de
Pryce, muy bien replicado por Driver y el gran número de
secundarios, mantiene a flote la película en especial en la segunda
media hora de la película donde la cinta coge ritmo, maravilla y
deja al espectador con la boca abierta. Sin embargo, el accidentado,
disparatado, desconcertante, tedioso y a veces irritante tramo final
de la película hace que en el patio de butacas termine mirando el
reloj buscando los títulos de crédito finales.
Aun así, los
buenos momentos que ofrece El
hombre que mató a Don Quijote
hacen recomendable su visionado. Insistimos en el trabajo de Pryce,
quien logra conjugar todas las facetas del genial personaje en su
interpretación. Por su parte, Terry Gilliam logra terminar este
proyecto después de tantos años, no en vano lo ha conseguido al
décimo intento, lo que dice mucho de Gilliam. No es un logro más,
¡cuántos proyectos acaban acumulando polvo en un cajón! Vayan al cine a
ver El
hombre que mató a Don Quijote,
y recuerden, los comentarios siempre son bienvenidos.
Perú,
año 1992. El país andino se encuentra sumido en una terrible
espiral de violencia por la guerra sin cuartel que mantienen la banda
guerrillera Sendero Luminoso y el Gobierno de la República presidido
por Alberto Fujimori, quien acaba de dar un autogolpe de Estado en
abril de ese mismo año suprimiendo así el Congreso e interviniendo
en el Poder Judicial bajo la justificación de que estas
instituciones obstaculizaban la lucha contra la subversión. Así
pues, Los
héroes sentimentales
comienza el día 1 de agosto de 1992, cuando el capitán Santiago
Ferré Silva, acompañado por los suboficiales Teodoro Vargas y
Pancracio Álvarez y el padre Basilio Huayta abandonan la localidad
de San Juan de Juste, ubicada en el Departamento de Ayacucho.
A
partir de aquí Los
héroes sentimentales
nos muestra los sinuosos caminos de la guerra donde cada parte
implicada nueve sus fichas en el siniestro tablero de la sinrazón,
sembrando allí donde pueden el miedo, la intimidación, la violencia
indiscriminada y por último, la muerte. Así pues, buena parte de la
población peruana se vio involucrada indirectamente en esta guerra
padeciendo sus consecuencias justo en medio de ambos bandos. Cada
vuelta de tuerca a lo largo de los episodios de la novela es para dar
más espacio a la maldad, la violencia gratuita y los razonamientos
maquiavélicos para exterminar al contrario sin importar lo más
mínimo los inocentes. Consuela pensar que aunque las puertas del
infierno estén abiertas de par en par siempre aparecen personas
valientes dispuestas a seguir optando por la justicia, la ley y la
verdad, en definitiva, por el bien.
Rodrigo Murillo firma con
Los héroes sentimentales su primera novela, un brillante ejercicio
narrativo escrito bajo un ritmo trepidante y editado inteligentemente
en capítulos de apenas unas pocas páginas de manera que el lector
va siguiendo las diferentes líneas dramáticas sin perderse en ellas
y manteniendo siempre la tensión en todas sus tramas. No obstante,
sí es recomendable a la hora de iniciar la lectura de esta novela ir
elaborando una pequeña guía de los diferentes personajes y de las
fechas donde suceden los hechos, será de ayuda para quien se acerque
a estas páginas. Los
héroes sentimentales
está publicado por la editorial Nuevos Talentos y ha ganado el
Premio José Ángel Mañas a la Mejor Ópera Prima en la edición de
2018.
Nos
encontramos en 1989. Wilhelm
Powileit,
histórico miembro del Partido Comunista alemán y alto cargo de la
RDA cumple
90 años.
Espera que familiares, sobre todo
su nieto
Sasha,
y representantes del estado acudan a felicitarle como todos los años.
La reunión estará protagonizada por los más variopintos personajes
dando a lugar situaciones surrealistas, tanto como el régimen que
representaban.
Basado en la novela de Eugen
Ruge,
Matti
Geschonneck,
apoyado en un excelente elenco de actores -Bruno
Ganz,
Sylvester
Groth
(el maquiavélico Walter Schweppenstette de la serie Deutschland 83)
y Evgenia
Donina,
crea a través de las diferentes generaciones de la familia Powileit
y de una mesa una interesante metáfora del inminente derrumbamiento
del régimen comunista en Europa del Este y en la Unión Soviética.
Conviene aclararlo, En
tiempos de luz menguante
no es un relato cronológico
de este hecho histórico sino una inteligente historia montada para
explicar y provocar que el espectador se haga preguntas sobre los
antecedentes de lo que iba a suceder a partir del 9 de noviembre de
ese mismo año.
Además de los primeros actores, En
tiempos de luz menguante
es una película coral donde un
buen número de secundarios aportan cada uno de ellos un matiz
importante al desarrollo de esta cinta:
el partido, el Estado, el ejército, la familia y la política, la
sociedad de aquellos países cautiva dentro de sus fronteras y
vigilantes a la fuerza unos de otros con un futuro cada vez más
oscuro según ha ido pasado en tiempo y en consecuencia, sus vidas.
Estrenada a principios del mes de junio, todavía se proyecta en los
cines.
La
gente muchas veces me dice que le gustaría ser como yo cuando estoy
subido en el escenario, mostrando un franca sonrisa mientras canto
ante miles de personas un clásico de rock tras otro, a mí también
me gustaría ser ésa persona.
Bruce Springsteen decía esto en sus memorias y es lo primero que
vino a la mente de este bloguero justo después de ver el
documental Eugenio,
dedicado al genial humorista catalán fallecido en 2001.
Lo
cierto es que poco se supo de la vida privada de Eugenio
cuando el humorista era
una súper estrella en el entretenimiento nacional.
Su presencia era permanente en los principales programas de
televisión allá por los años 80, las cassettes de sus chistes
estaban presentes en los coches familiares, no había chaval o adulto
que no empezara algún chascarrillo en aquella época diciendo saben
aquel que diu...
Tal
vez por esto el
documental Eugenio resulte tan demoledor,
por lo inesperado que es saber cómo fue la vida de este hombre
contada por sus testigos directos: hijos, representantes, ex mujer y
amigos. Eugenio Jofra, el
hombre de la mirada triste, la cara de palo y vestido de riguroso
luto tuvo una larga carrera artística con un comienzo ignoto,
de forma accidental se convirtió en humorista y conoció un éxito
brutal, pero pronto la vida se le torció de manera trágica al morir
en 1980 víctima de un cáncer su primera mujer, el amor de su vida,
Conchita Alcaide, dejando viudo y dos hijos de corta edad.
Muchos
de los
defectos y aristas
de la personalidad del humorista se
vieron acentuados a partir de la desgraciada muerte de su mujer,
pero sin embargo, los protagonistas del documetal que cuentan a los espectadores la vida
y obra de Eugenio también dejan testimonios de una persona generosa
que tuvo el valor de reconocer sus errores.
Eugenio murió
también joven, no llegó a cumplir los 60 años, víctima de un
ataque al corazón. Sobre
las tablas dejó una huella muy profunda con su original y
minimalista puesta en escena,
su eterna cara de funeral, el manejo de los silencios y el retumbar
de su voz que cambiaba de tono grave a nasal a conveniencia. Eugenio,
documental firmado por Jordi Rovira y Xavier Baig, descubre la cara
oculta de uno de los mejores humoristas españoles de los últimos 50
años.
