La
fachada de mi casa da a un gran patio de luces. Es grande en tamaño
no en belleza. Al fin y al cabo, qué vistas se pueden tener en una
ciudad que no sea otro edificio, sólo unos pocos pueden tener
enfrente un parque o jardines cuando vives en una urbe. Otra de las
particularidades que tiene este patio de luces es que a nivel del
suelo está lo que antiguamente debía ser una pequeña fábrica o
factoría industrial, de lo que da fe la altísima chimenea que debía
actuar como salida de humos. La noche que visité mi futura casa
antes de formalizar mi entrada en ella no reparé en tan soviético
detalle simplemente porque no lo vi en la oscuridad, pero lo cierto
es que superada la sorpresa inicial, uno se acostumbra a la presencia
de la oxidada torre, echándole imaginación uno puede llegar a
pensar que se trata de un tótem prehistórico, aunque sea de
aluminio.
Las faenas cotidianas del hogar te pueden llegar a
hacerte creer que eres James Stewart en La
ventana indiscreta
mientras, por ejemplo, cuelgas la colada en el patio.
Involuntariamente a la vez que pones las pinzas sobre la ropa mojada
en la cuerda, miras a las casas que cierran el amplio espacio del
patio: puedes ver a una pareja joven arrullada en el sofá mientras
ven su serie favorita, a una familia entera saliendo a la terraza
para refrescarse cuando el umbral de la sombra del sol despiadado del
verano alcanza su piso, llegan ecos de las risas de las reuniones de
amigos los viernes por la noche, señoras solitarias que dan de comer
a sus mascotas, sonidos procedentes de transistores lejanos de
locutores pelmas o de canciones muy antiguas prácticamente
olvidadas, luces que se apagan anunciando la llegada del descanso
reparador para afrontar la nueva jornada.
Hoy ha amanecido con
el cielo plomizo, hace un frío pelón y húmedo que cala en los
huesos, propio del invierno recién estrenado. El patio muestra una
inusitada pereza siendo lunes. Todas las ventanas están cerradas,
pero las cortinas reflejan en los cristales la ilusión de los niños,
la soledad de los mayores, los abrazos de los recién llegados tras
un largo viaje. Esta vez soy yo quien pone la banda sonora en el patio,
con el volumen
bajo, para que llegue sólo el susurro a los demás, mientras
termino las labores cotidianas en la terraza. Al mismo tiempo, siento
que me invade el sentimiento de James Stewart.
Hace
tan solo unos días que se ha publicado el nuevo disco de The
Minus 5, Dear December,
ya a la venta en portales digitales y en CD y vinilo a través de su página web.
11 canciones completan Dear
December,
en las que hay un poco de todo, rock, garaje. Aquí viene un pequeño
repaso por todas ellas.
New
Christmas Hymn,
canción de apertura, es la más pop del disco, ritmo pegadizo. When
Christmas hurts you this way
es una emotiva balada, con un precioso slide acompañando a la no
menos chula voz de Scott McCaughey. See
you in December,
la más garaje y cañera ¿podemos clasificarla como country punk?
Seguramente sí.Festival
of Lights (Hanukkah Song)
luminoso corte, como la celebración judía que alude el título.
Johnny
Tannenbaum
aporta unos coros muy años 60, reminiscencias del sonido teenager.
Con The
Fourth Noel,
los Minus se suben al piano y se ponen serios. Merry
Christmas Mr. Gulp Gulp
recuerda al sonido Spector también de los 60. Your
Christmas Whiskey
vuelve a mostrar el lado pop de los Minus. I
See Angels y
Yule Tide Me Over
son quizá la canción más prescindible del disco. I
Still believe in New Year's Eve
cierra Dear
December
al ritmo marcial de su batería acompañado de frenéticos riffs de
guitarra.
Sin embargo, la buena noticia del lanzamiento del
disco se vio empañada hace justo un mes cuando llegó la triste
noticia: Scott
McCaughey
había sufrido un derrame cerebral justo cuando The Minus 5
acompañaban a Alejandro
Escovedo
de gira por la costa Oeste de EE.UU. A través de las redes sociales
de The
Minus Five
Mary Winzig, esposa de McCaughey, va informando de cómo va
progresando el guitarrista. Sigue abierta una campaña para
recolectar fondos con la finalidad de costear el carísimo
tratamiento y rehabilitación que debe seguir el músico para
recuperarse. Aparte, han facilitado una dirección postal para todo
aquel que quiera escribir a Scott McCaughey para mandarle ánimos:
Scott McCaughey
PO Box 11500
Portland, OR 97211
Seguro
que si usted ha llegado a leer estas líneas tiene motivos de sobra
para ponerle unas letras al enfermo: aquel concierto, ese disco
firmado, esa franca sonrisa bajo la gorra y la blanca melena...
Cualquier muestra de aliento, por pequeña que sea, es siempre
bienvenida. ¡Larga vida a Scott the Hoople!
Aunque
fue publicado hace ya casi dos años por La
Fonoteca,
el libro Punk,
pero ¿qué punk?
no ha perdido ni un ápice de interés en su lectura, si acaso habrá
podido quedar fuera alguna nueva banda que haya nacido después de
principios de 2016, pero la auto proclamada guía incompleta del punk
nacional, escrita por Tomás
González Lezana,
al contrario de lo que predica, pasa por ser la obra de consulta
definitiva sobre el punk hecho en casa.
Ya desde la
introducción a cargo de Elena López Aguirre, ex bajista de Potato,
de Roberto Moso, cantante de Zaramay quién hizo de hilo conductor en este interesante documental y
del dibujante de cómic Carlos
Azagra,
el lector queda avisado: lo que viene a partir de ahí es una crónica
exhaustiva del movimiento punk hecho desde cualquier rincón de
España. El trabajo de documentación es completísimo y abrumador,
no hay personaje, miembro de cualquier grupo, concierto donde algo
interesante pasó que no quede reflejado en su particular
historia.
Luego de un extenso repaso por el denominado Rock
Radical Vasco
y la Euskadi
Tropical,
Tomás González Lezana nos lleva de la mano a la Barcelona de la
Banda
Trapera del Río,
de Decibelios,
de L'Odi
Social;
a un Madrid dónde no todo eran los grupos de la Movida en el
panorama musical, donde Manolo
UVI
hizo de hilo conductor entre los grupos madrileños y los radicados
en el País Vasco y Cataluña. Hace también el autor un amplio
recuento de las bandas Oi!,
de aquellas que siguieron la senda de los Ramones,
incluidos Los
Nikis,
claro que sí y por supuesto del punk hecho en Canarias,
Andalucía...
Aunque Punk,
pero ¿qué punk?
en su relato llega hasta casi nuestros días, sobre todo cuenta la
influencia política y social en el punk de las décadas de los años
80 y 90 en nuestro país. Aquellos fueron tiempos violentos y
conflictivos que tuvieron su respuesta musical de disconformidad con
lo que el sistema ofrecía a la juventud de entonces. Bastaba
con tener instrumentos, ganas de tocar, tener una historia que contar
y una actitud provocativa.
El resto era grabar casetes y venderlas por los bares, aparecer en
fanzines, tocar en locales okupados, el boca a boca... En un país en
donde todo estaba por hacer, la industria musical y la organización
de conciertos no estaban al margen. Hoy en día puede sorprender en
qué condiciones se celebraban conciertos en aquellos años, pero
basta con leer los innumerables testimonios que aparecen en el libro
para ver cómo se hacían algunas cosas en los tan añorados años
80.
Recuerdos
de bandas, de músicos que ya desaparecieron, de una época
contextualizada en unas circunstancias difíciles de repetir,
nostalgia de un tiempo en que el 'háztelo tú mismo' era posible.
Punk,
pero ¿qué punk?es otro ejemplo del estupendo trabajo que hace (en libros y discos) La Fonoteca para conservar la memoria
musical, y por tanto cultural, de nuestro país.
Hoy
se juega un nuevo derbi
madrileño entre el Atleti y el Madrid,
con la particularidad de ser el primero que se juega en el nuevo
estadio del equipo colchonero. Sorprende la poca resistencia que han
ofrecido abonados y simpatizantes atléticos al cambio de estadio
cuando se podía haber
alargado durante muchos años más la vida del Vicente Calderón con
una reforma mucho más barata que
el coste de levantar un estadio desde cero.
Y es que el
estadio de la ribera del Manzanares estaba, todavía lo está, en
pleno centro de la ciudad, bien comunicado por Metro y varias líneas
de autobuses, a tiro de paseo a pie de dos puntos cruciales del
transporte público de Madrid: Principe Pío y Atocha. Y lo más
importante, el
Vicente Calderón tenía,
tiene, un
extraordinario peso histórico en el fútbol español y
además, según fue construido en los años 60 contaba con un aforo
de 70.000 espectadores, todos ellos sentados, un número superior al
del nuevo campo que en cambio está en el límite del término
municipal de Madrid, con tan sólo una estación de Metro donde las
aglomeraciones son tremendas y sin los accesos necesarios para
absorber el tráfico de coches construidos.
Para celebrar la
visita del eterno rival, la directiva del Atleti se ha descolgado
marcando unos precios desorbitados para las entradas de su flamante
nuevo estadio: de 70 a 495 euros. Por supuesto, el estadio estará
lleno a reventar, lo que no deja de ser lo más preocupante de todo
lo expuesto en esta entrada.
Por el norte de Madrid las cosas
no van por otros derroteros. Si vemos que el abanico de precios del
partido más importante disputado en el Bernabéu hasta hoy, contra
el Tottenham londinense en Copa de Europa, oscilaron entre los 50 y
los 200 euros, habrá que ver a qué precio llegan para el inminente
Real Madrid-Barcelona. Respecto a la más que prometida
reforma del campo de Chamartín,
ayer viernes nos desayunábamos con esta noticia del diario digital
El Confidencial
donde
se afirma que la posible fuente de financiación de las obras, que
nunca fueron consultadas a los socios, verdaderos dueños de la
entidad según el propio presidente, ha volado, así que de momento
parece ser que
el Bernabéu se queda como está.
Como en el caso del nuevo estadio del Atleti, pocos socios y
aficionados del Madrid se rebelan contra un gasto presupuestado de
400 millones de euros.
Ante todo lo dicho aquí cabe
preguntarse: ¿qué familia puede permitirse pagar estos precios para
ir al fútbol, qué joven puede comprar entradas a estos precios para
poder ver en directo a sus ídolos, quién puede ir a un estadio un
viernes o un lunes por la noche? Finalmente hay que cuestionarse: ¿es
esta una invitación a los aficionados que llevamos toda la vida
siguiendo a nuestros equipos para que lo abandonemos? Desde luego,
tiene toda la pinta. Eso sí, hoy
hay derbi, pero para clientes, no para los aficionados.
Sorprende
que una figura de la talla de Santiago
Bernabéu
no haya tenido un documental hasta haber pasado casi 40 años de su
muerte. Si en lugar de Almansa hubiera nacido en el Reino Unido o en
EE.UU., si en lugar de levantar de la nada un Real Madrid hubiera
rescatado a un Liverpool, un Manchester United o un Celtic de
Glasgow, don Santiago seguramente hubiera tenido multitud de
testimonios audiovisuales montados en su memoria.
El
documental Bernabéu
tiene un cierto poso oficial, el club está detrás de la cinta, la
secuencia inicial lo dice todo. Quien esto escribe pensaba,
ingenuamente, que estaría basado íntegramente en la vida
del legendario presidente, con testimonios directos de los vivos que
le recuerdan, donde se podrían contrastar las hazañas deportivas
pero también los hechos, sucedidos y pensamientos que don Santiago
vivió y dejó para la posteridad, pero no es así. En realidad el
documental se trata de un
repaso biográfico de Bernabéu paralelo a la historia del Real
Madrid,
no hay nada en él que pueda sorprender al aficionado
inquieto que haya investigado un poco en la figura de Bernabéu a
través de biografías escritas sobre su persona o de libros que
recojan la historia del Real Madrid.
El
valor de este documental reside en el material de archivo rescatado
del olvido
(pocos, y mucho menos las nuevas generaciones, habrán oído la voz
de don Santiago), está en el testimonio directo de los tripulantes
de la barca Saeta
Rubia
posteriormente conocida como Marizapalos,
reside en las
imágenes de un Madrid, equipo y ciudad, que ya no existen.
Lo bueno de Bernabéu
está en mostrar cómo
eran, cómo se conducían y los valores que gastaban los directivos
de un modelo de club de fútbol
que todavía era reconocible hasta hace unos veinte o veinticinco
años y del que no queda apenas el nombre, por mucho que los actuales
dirigentes intenten vestirse de esas formas o de apropiarse de forma
bastarda de la memoria de esta generación. En definitiva, gracias al
trabajo del equipo dirigido por Ignacio Salazar-Simpson, se puede
decir que Santiago Bernabéu ya tiene un documental sobre su figura,
deuda saldada.
Desde
el lanzamiento en 2015 de Micah P. Hinson and the Nothing no teníamos
noticias del músico tejano y las que llegaban no eran muy alentadoras. A
finales del pasado verano en su renovada página web, se daba a
entender que pronto iba a haber noticias respecto a Hinson, como así
fue. A principios de septiembre se adelantaban dos canciones de su
nuevo disco, finalmente publicado pocos días después. Según
advierten en su propio sitio de internet, estos dos años de silencio
ha sido el tiempo que ha llevado en componer y grabar este Micah
P. Hinson presents The Holy Strangers,
siendo concebido como una moderna ópera folk donde se narra la
historia de una familia en tiempos de guerra.
En este nuevo
trabajo de estudio se aprecia que el
Micah P. Hinson
de The Gospel of Progress, The Opera Circuit y The Red Empire
Orchestra, ha
vuelto en todas sus facetas,
con su alegre tristeza y su pesimista vitalidad. The Great Void recuerda a la
maravillosa Beneath the Rose, interminables acordes de slide,
percusión, violín y teclados de fondo mecidos por la voz grave y
serena de Hinson, una pieza realmente conmovedora. Lover's
Lane
es un corte folk brillante. Oh,
Spaceman
en cambio, tiene todos los elementos de una nana. En Micah
Book One,
Hinson recita una inquietante letra mientras los acordes se suceden
en un bucle melódico. The
Darling
muestra la capacidad de Hinson en encontrar la belleza dentro de la
pena.
Micah
P. Hinson presents The Holy Strangers
tiene la particularidad de contar en su cancionero con 6 cortes
acústicos: The Temptation lamento de cuatro minutos que abre el
disco; The Years Tire On, The Holy Strangers, The War, verdaderamente
desoladora y The Awakening que
cuenta con voces de fondo convenientemente filtradas y susurros del
propio Hinson que no hace sino acentuar el carácter hipnótico de
esta canción. The
Memorial Day Massacre
tiene un sonido oriental, no por ellos menos devastador, sensación
que se ve incrementada por las distorsiones de guitarra.
Una
vez repasado este nuevo disco hay motivos, por tanto, para celebrar
el regreso a la actividad de Micah
P. Hinson.
El músico tejano está de gira presentando The Holy Strangers,
actualmente por Francia, pero pronto pasará por España: el 2 de
noviembre toca -sin banda- en la sala Razzmatazz 2 de Barcelona, al
día siguiente estará en el Teatre de Muro de Mallorca, el día 4
será el turno de Madrid en Siroco. El paso de esta gira por España
terminará el día 5 en el Escenario Santander, de la capital
cántabra. Para más información del tour
y de cómo adquirir las entradas, clic aquí.
Ahora
que la temporada está terminando y que las grandes pruebas ya se han
disputado, es buen momento para rescatar este estupendo libro
publicado en 2016 por la editorial Gallo Nero, para saciar las ganas
de sentir este épico deporte. 1973 fue el año en que Eddy
Merckx,
máxima figura mundial en aquellos años, vino a disputar la ronda
española por primera vez, en competencia directa con el conquense
Luis
Ocaña.
El
libro de Simón
Rufo
está estructurado en tres partes: prólogo, la colección de
crónicas, análisis y entrevistas que el propio Rufo hizo al cubrir
la Vuelta de ese año como periodista del diario deportivo As, y un
apéndice. El prólogo fue escrito en mayo de 2016 por Rufo, en él
se contextualiza la Vuelta del 73 en particular y el estado del
ciclismo en general hace 44 años, todavía conmocionado por la
muerte del corredor británico Tom
Simpson en el Mount Ventoux
durante el Tour de Francia de 1967. En esta introducción también se
dibujan las líneas de la rivalidad
y enemistad que mantuvieron Ocaña y Merckx a
lo largo de su carrera deportiva, aunque con el tiempo, hasta que se
suicidó Ocaña, llegaron a tener cierta amistad y gestos de
generosidad.
La parte central y más extensa del libro es la
crónica de la Vuelta del 73. Desde la confirmación de la
participación de Merckx en la carrera se contaba prácticamente con
su victoria, tanto por el estado de forma del campeón belga como por
el diseño del recorrido, sin apenas montaña y con muchas
bonificaciones de tiempo en las metas volantes y en la línea de
llegada. Y así fue, Merckx
ganó aquella Vuelta,
fue acumulando una bonificación tras otra mientras el peso del
maillot
de líder de la clasificación general, por entonces de color
amarillo, lo llevaba el kas
Pesarrodona. En la penúltima jornada, cuando se subió el alto de
Orduña, Luis Ocaña puso en aprietos a Merckx, pero la línea de
meta estaba muy lejos de la cumbre, en Miranda de Ebro. El conquense
se dejó capturar por el propio Merckx y Thévenet, definiendo así
el podio que llegó al día siguiente, en la última etapa, a San
Sebastián. A lo largo de las crónicas de Simón Rufo vienen a
la memoria aquellos nombres de la infancia que lucieron en las chapas
de los refrescos: Aja,
el malogrado Agostinho, Domingo Perurena...
Se imaginan escenas de un mundo que ya no existe como velódromos con
superficie de ceniza o aquellas etapas divididas en dos sectores,
prácticamente en desuso hoy en día. Todo un ejercicio de
nostalgia.
La parte final del libro, el apéndice, es un
capítulo extraído del libro escrito por Simón Rufo, publicado en
1973 y lleva por título el nombre de Eddy Merckx. En él se describe
el
inicio de la enemistad entre el campeón belga y el español emigrado
a Francia.
En realidad todo vino por un pique de lo más infantil, un juego
psicológico que hirió el orgullo, una montaña hecha de un grano.
El indomable y competitivo carácter de Merckx, sumado al sentimiento
herido de Ocaña, degeneró la situación en fuertes desencuentros
entre ellos dos y hasta en odio, como señala el propio Rufo. En poco
más de 200 páginas, el lector pasará un buen rato leyendo La
Vuelta a España y de las andanzas de una edición de la carrera
española que se sabía decidida desde el principio y por supuesto,
del resto de sus protagonistas. De Simón Rufo hay que destacar
también su obra 100
años de ciclismo,
publicado en 1970 por Ibérica Europea de Ediciones. Para terminar
una última recomendación para los aficionados al ciclismo, el
próximo viernes 27 de octubre se emite en el canal Teledeporte, en
Conexión Vintage, el programa Vintage Hinault. Que lo disfruten.
La
continuación de la película de culto de los años 80 estrenada el
pasado viernes es
digna heredera
de la firmada por Ridley Scott, pero
no llega a su altura.
Hay muchos aciertos en la nueva cinta de Denis Villeneuve pero
también tiene defectos que lastran el resultado final de esta
entrega. Antes y después de ver Blade
Runner 2049
es lícito preguntarse si esta nueva película de ciencia ficción era necesaria o no. Al
final de este post se intentará responder a esta pregunta.
Acierta Villeneuve al
continuar la estética futurista y decadente que creó Scott en 1982,
el mundo en 2049 es prácticamente igual al de 2019: Los
Ángeles sigue siendo una gran urbe luminosamente oscura,
siempre bajo una intensa lluvia, poblada por extraños personajes que
viven en semi vacíos y decadentes edificios. Continúa siendo una ciudad
en la que no ve el sol, pero una extraña luz dorada penetra por los
ventanales, la misma que iluminaba a Decker y a Rachael. Otro punto a
favor de esta segunda parte es la premisa de la que parte Blade
Runner 2049, es buena, creíble y justificable. Respecto al reparto,
señalar para bien a Ryan Gosling, Robin Wright, Jared Leto (caracterizado a modo de JF Sebastian) y a Ana
de Armas, muy acertada en su papel. Y cómo no, Harrison Ford, quién
está viviendo un auténtico revival de sus personajes de los años
80.
Enlazando con el reparto, lo negativo que tiene Blade
Runner 2049 comienza con el poco papel que tiene Edward James Olmos,
su inquietante personaje en la entrega original daba más juego. Sylvia Hoeks, aunque deja
en buen lugar a Luv, podía haber sido todavía más malvada. Pero lo
que de verdad lastra a Blade Runner 2049 es la falta de ritmo
narrativo a partir de la primera media hora de proyección haciendo
así eternos los 163 minutos de duración que tiene la película, con
una hora menos de metraje el resultado final hubiera sido bastante
mejor. Otro aspecto que resta es la ausencia de algún diálogo memorable, también se echa de menos un poco de justicia poética.
Habrá más argumentos a favor y en contra de esta
segunda parte de Blade Runner. Ante la duda inicial planteada en el
primer párrafo de esa entrada, la respuesta es: ¿por qué no? ¿Acaso
las secuelas deben ser obligatoriamente mejores que las primeras?
Quizá con Blade Runner 2049 ocurra lo mismo que con su predecesora,
sólo se convirtió en leyenda y objeto de culto con el paso del tiempo.
A
lo largo del pasado lunes se fueron conociendo las reacciones que ha
suscitado el final de la
tercera temporada de Twin Peaks
y como era de esperar, no ha dejado indiferente a nadie. Conviene
aplaudir a David
Lynch
por su valentía a la hora de llevar o de continuar, mejor dicho,
este proyecto 25 años después de haber acabado la 2ª temporada,
habiendo dejando en 1992 un final abierto a diversas
interpretaciones, pudiéndose considerar como un punto y final. Una
vez dicho esto, y como se advierte en la presentación de este post
en las redes sociales, a partir de aquí se va a comentar la serie
con pelos y señales, advertidos quedan aquellos que tengan capítulos
pendientes por ver.
El recuerdo que dejó la segunda temporada
fue equívoco, una vez revisada en 2017, gana mucho. Los hechos que
ocurren en Twin Peaks, según avanzan los 22 capítulos de los que
consta, se van sucediendo a un ritmo espectacular. Se podía pensar
que la
muerte de Lelan Palmer,
el gran Ray Wise, concluía la historia, pero nada más lejos. A
partir de ahí, nuevas tramas se fueron incorporado: un mundo
paralelo, donde gobierna la rareza y la inquietud, extraños
personajes que desvelan pistas llegando a la apoteosis final
incluyendo asesinatos, explosiones, separaciones y posesiones
diabólicas inesperadas, léase el cabezazo final del Dale Cooper
contra el espejo mientras se ve reflejado en Bob,
el asesino.Así
pues, antes de asomarse a esta 3ª temporada, si se quiere seguir el
hilo desde el principio y ubicar a todos los personajes, es
obligatorio ver las anteriores temporadas y también la película
Twin Peaks: fuego, camina conmigo.
La historia se retoma donde se quedó, el agente Cooper está sentado
en su butaca, rodeado de cortinas rojas y con Laura Palmer
susurrándole al oído 'ya dije que nos volveríamos a ver 25 años
más tarde'. Después de semejante pistoletazo, nos adentramos en un
mundo espeso, inquietante, violento, surrealista y con magníficas
dosis de humor, algunas de ellas muy negras, como por ejemplo, el
personaje del sicario. Lejos de centrarse la acción en la ciudad
imaginaria del estado de Washington, las tramas se desarrollan en
diversos escenarios: Las Vegas, Nueva York, incluso Buenos Aires
tiene una pequeña aparición. Nos encontramos con numerosos
personajes nuevos, que en su desarrollo podemos ubicar en las
diversas tramas. Fue
todo un acierto no anunciar el reparto de cada episodio en los
créditos iniciales,
así no se perdía el elemento sorpresa cuando los actores de las
temporadas de los años 90 aparecen. Algunos, como Dana Ashbrock,
cuesta reconocerles por el paso del tiempo. A otros, sin embargo, da
pavor verlos en esos rostros deformados por la cirugía plástica,
qué diferencia con los dignamente envejecidos Ray Wise, Miguel
Ferrer (tristemente desaparecido) y por qué no, David Lynch.
Ha
habido dos
episodios
que han sido particularmente
comentados
en esta nueva temporada: el
tercero y el octavo.
En el tercero, vemos el tránsito del agente Cooper del mundo extraño
al mundo real, a través de un enchufe, encarnándose en Dougie
Jones, un agente de seguros felizmente casado con Naomi
Watts
con quien tiene un hijo, Sonny Jim. Cooper no es ese joven agente de
la ley caballeroso, atento y educado que vimos en los años 90. Aún
fiel a su clásico traje negro, al café expreso y a la tarta de
cerezas, parece alelado, torpe. Bien por casualidades bien por ayudas
inesperadas, el falso Dougie va solventando todas y cada una de las
papeletas que se le van presentando.
Por su parte, el
episodio octavo ha sido el más detestado y a la vez más admirado de
esta tercera entrega. Sin apenas diálogo, la acción transcurre a lo
largo un espectáculo
visual difícil de ver en el cine y la televisión
que explica la llegada del Mal, o al menos eso pareció darse a
entender, de Killer
Bob
a la Tierra. Todos pudimos reconocer Cabeza
borradora
en este episodio. El lado onírico, surrealista, conceptual y extraño
de David Lynch es liberado en 50 minutos. Hay que reconocerlo, dieron
ganas de dejar de ver este capítulo a los pocos minutos, pero algo
lo impedía. Quizá sea este otro de los grandes méritos de Lynch,
ofrecer un relato de extremadamente difícil comprensión pero
hipnótico y bello a su manera.
Tras una interminable
persecución por parte de Albert Rosenfeld, Gordon Cole, la agente
especial Tamara Preston y ¡oh, sorpresa! Diane, Mr C, el
doppelganger
de
Cooper, poseído por Bob, siniestro, frío y calculador, llegamos a
la apoteosis final rescatando la principal trama de toda la serie:
Laura
Palmer,
en apariencia, está
viva.
Lo cierto es que los minutos finales del episodio 18 dejan al
espectador con cara de haber entendido poco, o más bien nada de lo
que acaba de ocurrir. Quedan muchas cosas en el aire: ¿Laura Palmer
está viva? ¿La que fue encontrada muerta era su doble también
poseída por Bob? ¿La
escena final ocurre en 1989 o en 2017?
¿Qué susurra de nuevo Palmer a Cooper al oído? ¿Qué papel juega
definitivamente Diane, también fue víctima de BOB?
Todos estos
interrogantes nos llevan irremediablemente a la cuestión definitiva:
¿habrá cuarta temporada? Mientras David Lynch -quien también firma
el diseño de sonido- siga en este estado de buena forma, ojalá sea
así. Mientras
los nuevos episodios sigan acabando con tan buena música
(The Cactus Blossoms,
Chromatics,
Sharon Van Etten, Nine Inch Nails, entre otros), si Ray Wise, Kyle
MacLachlan, Michael Horse siguen aquí, si David Duchovny y James
Belushi (Tim Roth ya no podrá, aunque nunca se sabe) continúan,
esperemos que haya nueva temporada. Mientras tanto, si ven de repente
unas cortinas rojas, no entren, la belleza inquietante del mundo
extraño, de la Habitación Roja, espera justo detrás.
El
pasado sábado 80.000
espectadores
pudimos presenciar en directo desde las gradas del estadio
Santiago Bernabéu
la consagración internacional de Isco,
la excepcional ovación a Andrés
Iniesta,
el clamor por ver sobre el césped a uno de los principales actores
de los grandes éxitos de nuestra selección, David
Villa,
y la reivindicación de un buen delantero que busca su fortuna lejos
de casa, Álvaro
Morata,
entre otras muchas cosas, porque el partido del sábado fue
excepcional en muchos aspectos.
Y es que cuando pones entradas
a precios populares y fijas el partido a una hora razonable, el lleno
y el ambiente está garantizado.
Quien esto escribe desembolsó la más que razonable cantidad de 20€
por un asiento en el Segundo Anfiteatro de fondo del estadio de la
Castellana. Al llegar con tiempo más que suficiente para el inicio
del partido, este bloguero se dio un paseo para ver el ambiente que
había por los aledaños de Concha Espina. Muchos, muchísimos padres
con niños pequeños
buscaban hacer las últimas compras en los puestos callejeros antes
de acceder al estadio: bufandas, banderas... Un par de jóvenes,
ataviados con camisetas del Real Madrid portaban dos sencillas
pancartas clamando por la simpatía que el madridismo tiene por
Andrés Iniesta, agradeciendo así el gol de nuestras vidas a nivel
de selecciones. Los hinchas italianos apuraban sus consumiciones en
las calles más cercanas, en perfecta convivencia con los españoles,
antes de acceder a la grada que tenían reservada. Un buen número de
chavales llegados de las comunidades cercanas a Madrid, luciendo la
camiseta de sus respectivos equipos, buscaban impacientes las puertas
de acceso que marcaba su entrada.
El Bernabéu, el pasado sábado
Después del esperpento
vivido en la reciente Súper Copa de España cuando el partido de vuelta, celebrado también en el Bernabéu,
comenzó a las 23:00 horas de un miércoles, cabe preguntarse por qué
los horarios de los partidos no pueden ser siempre como en el España
- Italia de este pasado fin de semana. El sábado que viene el Real
Madrid jugará contra el Levante a las 13:00 horas, conviene recordar que
el
sábado es día laborable a todos los efectos
y que muchos socios y abonados, cuya entrada han pagado con meses de
antelación para este partido, trabajan. La Liga ya ha cambiado el
horario de la misma jornada del Leganés - Getafe y del Celta-Alavés
cuando los seguidores de estos equipos ya habían hecho sus planes,
amén de los partidos
que se disputan el viernes y el lunes por la noche.
La Liga de Fútbol Profesional falta al respeto de los aficionados
una jornada sí y la siguiente, también. Desconozco si el Sr. Tebas
y lo presidentes de los clubes que tragan con estos horarios trabajan
los sábados por la mañana o si madrugan los martes, pero gran parte
de los aficionados a los clubes de fútbol sí lo hacen.
El
Sr. Tebas, que tanto admira la organización de la Premier
League inglesa,
podía imitar a los británicos y dar a conocer el calendario a los
aficionados con meses de antelación. El Sr. Tebas que tanto se queja
y amonesta a aquellos equipos que ven sus gradas vacías durante los
partidos, podía fomentar una política de precios razonables en sus
afiliados para que el fútbol de Primera División sea accesible a
todos los bolsillos y no sólo a los turistas de alto poder
adquisitivo. Porque cuando
Messi y Cristiano ya no estén,
cuando la burbuja televisiva reviente y las cámaras y las unidades
móviles desaparezcan, los
que seguirán ahí al pie del cañón, serán los aficionados de toda
la vida,
los que llevan a su equipo en el corazón, no porque esté de moda.
