Qué te debo, Malcolm?

Qué te debo, Malcolm? (sic) es el título del documental que rinde homenaje a Malcolm Scarpa, el artista de extensa trayectoria que dejó tantas estupendas canciones que no gozaron de éxito de crítica ni de público. A lo largo de poco más de una hora metraje, el documental recoge el concierto que se celebró el 24 de enero de 2023 en los bajos del cine San Pol. Mientras caen las piezas de blues, rock y pop, se suceden los testimonios de amigos y músicos acerca de la peculiar forma de ser de Scarpa, de su proceso creativo y anécdotas de su vida, tan bien contadas por su hermana Rosa... ninguno de ellos pueden explicar por qué nunca llegó el éxito aunque dejan alguna pista.

A lo largo de las declaraciones de Qué te debo, Malcolm? se califica al artista de el Bowie español, nuestro Paul McCartney o una especie de Antonio Vega... puede ser, ¿por qué no? Pero, tal vez, el paralelismo más justo que podemos establecer con Malcolm Scarpa es el del Trinche Carlovich de quién se decía que era mejor que Maradona con un balón en los pies, quién dejó esperando sentado a Menotti después de haber sido convocado en vísperas de un Mundial. Parece que la primera página, los titulares grandilocuentes, los cañones de luces no estaban hechos para ellos.

Conviene reconocerlo, sí, este artículo también llega tarde, como todo reconocimiento a Malcolm Scarpa, ojalá sirva para que algún veterano fan sonría o para que alguien pueda descubrirlo y así unirse a la silenciosa minoría de sus seguidores. Algunos de ellos, nostálgicos, paseamos por la calle José del Hierro y entramos en el estanco de Paula para comprar sobres y sellos, rebuscamos en las baldas de la Metralleta, el Postigo de San Martín... qué extraño puede ser Madrid. Nos queda su extensa discografía, mientras las maravillosas melodías de sus canciones sigan sonando podremos decir que Malcolm Scarpa sigue vivo.

Qué te debo, Malcolm? forma parte del catálogo de Filmin desde el pasado 16 de mayo. Los discos de Malcolm Scarpa, no sé si todos, están disponibles entre la web de Caballero Reynaldo, la de Gaztelupeko Hotsak y en Bandcamp en formato digital. También, se ha reeditado el mítico libro de Malcolm Scarpa Qué te debo, Jose?, disponible en la editorial Sílex.



Nota del autor: Decíamos ayer... después de seis años de inactividad esta ventana vuelve a abrirse, aunque no sé por cuanto tiempo...
Tal vez sea un tanto irónico reanudar este ignoto foro con Malcolm Scarpa, pero merece la pena, hablar de este artista siempre merece la pena. Tal vez hablemos pronto de Qué te debo, Jose?

Esto no es Hawaii, la historia oculta de la movida, un libro de Jesús Ordovás

El legendario periodista musical Jesús Ordovás, testigo y divulgador de muchos de los grupos que nacieron en aquella época, reúne en este volumen una colección de entrevistas con los protagonistas de la Movida madrileña. Algunos pertenecen a la primera línea del frente, otros sin embargo son esos personajes secundarios pero imprescindibles para la comprensión de este período de la historia musical de España.

Luego de una breve introducción escrita por el propio Ordovás, Esto no es Hawaii abre el primer capítulo donde aparecen entrevistas a los Burning, Ariel Roth, Ramoncín y Fernando Márquez, el Zurdo, entre otros. Todos ellos contextualizan el momento, la salida de la dictadura, la llegada de nuevas inquietudes artísticas y reacción contra el establishment musical imperante desde finales de los años 70. Sorprende, y mucho, el lenguaje utilizado por muchos de ellos en estas entrevistas, pero no lo olvidemos, casi todas ellas se hicieron hace 40 años.

El título del segundo capítulo ya lo dice todo: El futuro ya está aquí. Músicos de los grupos más significativos de la Movida desfilan por este episodio explicando qué, cómo y cuándo saltaron a la primera división musical. Muchos apenas sabían tocar y todavía menos cantar, pero tenían ganas de hacer algo nuevo, donde no había talento se derrochaba esfuerzo. Algunos de ellos siguen dando guerra hoy en día y otros, desgraciadamente, ya no están entre nosotros.

                                                      

   
Ordovás dedica el tercer episodio a lo que ocurrió fuera de Madrid, en otras partes de España a finales de los años 70 y principios de los 80. Se cuenta la implicación que tuvieron en la Movida grupos surgidos en Barcelona, Vigo, País Vasco, Granada, etc... y lo que este movimiento generacional implicó en el resto del país.

Hasta aquí ha habido algunas sorpresas y muchos recuerdos para los seguidores inquietos que ya sabían de lo sucedido bien porque vivieron el momento, bien porque su inquietud musical les hizo investigar sobre sus grupos favoritos. Hay dos testimonios en el episodio final de Esto no es Hawaii que llama la atención al lector, tal vez por ser los hechos menos conocidos: el auge y caída de la disquera DRO contada por uno de sus creadores, Servando Carballar y las desventuras que tuvo que sufrir Paloma Chamorro para sacar adelante su mítico programa La Edad de Oro. A pesar de esto último, La Edad de Oro fue una realidad maravillosa. TVE, quién la ha visto y quién la ve, era el paraíso de la información musical en aquellos años. Las grandes estrellas internacionales, que empezaron a venir a tocar a nuestro país, pasaron por aquellos míticos programas elaborados por Carlos Tena, Ángel Casas, Diego A. Manrique y Juan de Pablos, entre muchos otros. Afortunadamente, en la página web de RTVE podemos volver a disfrutar de estos programas.

Esto no es Hawaii es mucho más de lo reseñado en esta entrada. Editado por la revista Efe Eme, el libro está disponible en la tienda digital de la revista y también en librerías selectas como El Argonauta, oasis musical del barrio de Argüelles de Madrid.

Micah P. Hinson presents The Holy Strangers

Desde el lanzamiento en 2015 de Micah P. Hinson and the Nothing no teníamos noticias del músico tejano y las que llegaban no eran muy alentadoras. A finales del pasado verano en su renovada página web, se daba a entender que pronto iba a haber noticias respecto a Hinson, como así fue. A principios de septiembre se adelantaban dos canciones de su nuevo disco, finalmente publicado pocos días después. Según advierten en su propio sitio de internet, estos dos años de silencio ha sido el tiempo que ha llevado en componer y grabar este Micah P. Hinson presents The Holy Strangers, siendo concebido como una moderna ópera folk donde se narra la historia de una familia en tiempos de guerra.

                                                           

En este nuevo trabajo de estudio se aprecia que el Micah P. Hinson de The Gospel of Progress, The Opera Circuit y The Red Empire Orchestra, ha vuelto en todas sus facetas, con su alegre tristeza y su pesimista vitalidad. The Great Void recuerda a la maravillosa Beneath the Rose, interminables acordes de slide, percusión, violín y teclados de fondo mecidos por la voz grave y serena de Hinson, una pieza realmente conmovedora. Lover's Lane es un corte folk brillante. Oh, Spaceman en cambio, tiene todos los elementos de una nana. En Micah Book One, Hinson recita una inquietante letra mientras los acordes se suceden en un bucle melódico. The Darling muestra la capacidad de Hinson en encontrar la belleza dentro de la pena.

Micah P. Hinson presents The Holy Strangers tiene la particularidad de contar en su cancionero con 6 cortes acústicos: The Temptation lamento de cuatro minutos que abre el disco; The Years Tire On, The Holy Strangers, The War, verdaderamente desoladora y The Awakening que cuenta con voces de fondo convenientemente filtradas y susurros del propio Hinson que no hace sino acentuar el carácter hipnótico de esta canción. The Memorial Day Massacre tiene un sonido oriental, no por ellos menos devastador, sensación que se ve incrementada por las distorsiones de guitarra.

Una vez repasado este nuevo disco hay motivos, por tanto, para celebrar el regreso a la actividad de Micah P. Hinson. El músico tejano está de gira presentando The Holy Strangers, actualmente por Francia, pero pronto pasará por España: el 2 de noviembre toca -sin banda- en la sala Razzmatazz 2 de Barcelona, al día siguiente estará en el Teatre de Muro de Mallorca, el día 4 será el turno de Madrid en Siroco. El paso de esta gira por España terminará el día 5 en el Escenario Santander, de la capital cántabra. Para más información del tour y de cómo adquirir las entradas, clic aquí.

Tras la huella musical de El otro lado de la esperanza

Ya lo dijimos en la entrada dedicada a la última película de Aki Kaurismäki, la música elegida para acompañar las andanzas de Khaled y Witström llama la atención. Mordido el anzuelo no quedaba más que seguir el rastro de los títulos de crédito y buscar... Bendita sea la red de redes, antes de internet tu curiosidad al salir del cine sólo podía ser satisfecha por un disquero inquieto o un contacto con referencias sólidas de lo que estabas buscando.

Rastreando por youtube al primero que encontramos es a Tuomari Nurmio y su Oi mutsi mutsi. La voz suplicante de Nurmio es seguida por bases de jazz y un mediterráneo riff de guitarra. Dicen de Nurmio que casi toda su carrera musical, iniciada en 1979, hunde sus raíces en el folk y country americano, aunque es capaz también de marcarse este glorioso rock and roll titulado Ramona.

                                                     

                              Marko Haavisto & Poutahaukat

Marko Haavisto hace su aparición en El otro lado de la esperanza con su particular versión de Kaipuuni Tango, interpretada anteriormente por Viktor Klimenko. Marko Haavisto ofrece acompañado de su banda Poutahaukat, como Nurmio, una buena colección de country y folk: Tosi rakkaus (ei hiivo pois) forma parte del estupendo disco Outolintu, publicado en 2015, así como En halua nukkua elämäni ohi. Otro disco de Marko Haavisto & Poutahaukat que encontramos rápidamente en youtube es Lamppu Palaa publicado en 2002, Niim kuin lumi es el corte elegido para abrir el álbum. Lamppu Palaa incluye también pop y rock clásico, completando así un álbum muy interesante.

Saija Varjus, Ismo Haavisto... esta búsqueda continuará. Investigar nueva música, sea finlandesa o de otra nacionalidad es todo un placer, tan solo hay que encontrar el rastro y dejarse llevar por él. ¿Tiene usted algún descubrimiento que quiera compartir? Los comentarios y sugerencias son siempre bienvenidos.

Do Hollywood, el debut de Lemon Twigs

Una cosa es segura, The Lemon Twigs ofrecen un sonido ecléctico en este disco de debut: Do Hollywood. Apenas contiene 10 canciones pero dejan un amplio abanico de influencias, desde el glam de los 70 pasando por el pop de los 80 y los 90, todo ello aderezado por sutiles toques funk y rock. Ellos son los hermanos D'Addario, Brian y Michael, procedentes de Long Island, en el estado de Nueva York, publicaron Do Hollywood el pasado año 2016.

I Wanna Proof To You abre el álbum, nos trae reminiscencias del rock clásico de los 50, fondos vocales estilo doo wap, una canción que va a tirones rítmicos, lo mismo acelera que ralentiza. Casi cuatro minutos que parecen agradablemente el doble.

Those Days is Comin' Soon demuestra influencias del rock de principios de este siglo, un tanto exagerado, detalles circenses con líneas vocales propias de un Freddie Mercury enfurecido. Haroomata parece sacada de un musical de los años 70, encajaría bien en la legendaria Cabaret, a pesar de sus arranques rock. Baby, Baby, estridente balada de base funk, qué teclados tan agudos, que evoluciona hacia el pop.

These Words es uno de los temas fuertes de Do Hollywood. No es la primera pista que nos acercará a Queen a través de los coros, uno de los principales aciertos de la extinta banda británica: bam, bam ,bam baaaaammmm... la canción coge mucha fuerza en la coda central, destacable el punteo final de guitarra acompañado por un xilófono realmente genial. These Words es de ese extraño tipo de composición que contiene varios estilos dentro de sí misma.

                                                       

As Long AsWe're Together, tras un dubitativo comienzo, la canción estalla en un gran coro muy glam, T. Rex se reconoce en ella así como las guitarras aullantes, propias de Suede allá por los cada vez más lejanos años 90.

Con Hi+Lo vuelven los recuerdos de los 90, aquella banda llamada Bran Van 3000, algún éxito tuvieron. Es otra muestra más del sonido heterogéneo de Lemon Twigs, cumple con todos los requisitos de un hit pop: ritmo y coro pegadizo acompañados de una melodía tan simple como encantadora. Frank comienza con una larga introducción instrumental, un tanto barroca, hasta que pasados dos minutos entra, suave, la letra. Como es habitual en Do Hollywood, pasamos por varios estados de ánimo y por tanto de ritmo.

How Lucky am I? Es un simple piano con las voces abiertas, sin más historia. Great Snake, por su parte, cierra el disco. Ambas pertenecen al grupo de canciones prescindibles que hay todo disco.

The Lemon Twigs con Do Hollywood han firmado un más que interesante álbum de debut, no dejan indiferentes los 43 minutos de música que ofrecen. Según los datos que se pueden rastrear por internet, The Lemon Twigs están de gira, estos días actúan por el Reino Unido y Francia, de momento, no vienen a España. Son, sin duda, una buena pista a seguir en el futuro.

Young Fresh Fellows en la Sala El Sol

Gran concierto el pasado jueves de Young Fresh Fellows en la sala El Sol de Madrid. Lo cierto es que quien esto escribe apenas tiene memorizada la extensa discografía de este grupo, tan solo fue reconocida 'Sittin' on a Pitchfork'. En el recuerdo está también una legendaria y antigua batallita de unos camaradas en los tempranos años 90 cuando Young Fresh Fellows tocaron en la Sala Revólver. Más presentes están Scott MacCaughey y sus estupendos Minus Five que ya han sido comentados en este blog. 

                                 

Aun así, el concierto del pasado jueves fue una pasada. Los Fellows dieron todo un recital de punk-rock-garage a una audiencia más veterana que novel. MacCaughey y compañia son unos músicos de primera categoría, se nota además que disfrutan con lo que hacen: gastan bromas con el público, se ponen chalecos reflectantes, improvisan una canción de Chuck Berry... Dieron todo un ejemplo de oficio y de actitud, daba gusto verles pegando botes -literal- sobre el escenario mientras atacaban sus canciones con una ejecución cercana al virtuosismo. 

Muchas de estas canciones fueron vividas por el público como un auténtico sin dios de calvas y canas al viento, mecidas por buen punk. Mientras esto ocurría en la pista los dos guitarras y el bajista lo daban todo sobre las tablas y el batería intentaba hacer sonar un plato que se levantaba más de dos metros sobre el suelo gracias a un inverosímil soporte. En definitiva, fue gran concierto: buena música y algo de diversión, qué más se puede pedir. ¡Larga vida a los Young Fresh Fellows!

The Tindales, sobre las cenizas de Joy Zipper

El pasado 11 de agosto, en la página oficial de Joy Zipper en Facebook, inactiva desde hace más de dos años, se avisaba de un nuevo proyecto de Vincent Cafiso y Tabitha Tindale: Trees, un ep de cuatro canciones bendecido bajo un nuevo nombre musical: The Tindales. Como grupo, Joy Zipper publicó su último trabajo en 2005, y salvo esporádicas apariciones en recopilaciones de tributo, poco más se ha sabido de ellos a lo largo de estos años.

                                                      

Respecto a las cuatro canciones que incluye Trees, Summer tiene guitarras potentes mezcladas con la suave voz de Tabitha Tindale y con una agradable melodía lo que da como resultado un prefecto ejemplo de pop rock; Jacksonville es un corte que viene marcado por el xilófono y el obsesivo coro; You Got Me Happy se encuadra dentro del dream pop que ya estuvo presente en Joy Zipper; por último Metal Towers cierra el ep.


Siendo cuatro buenas canciones las que forman Trees, lo cierto es que se echan de menos los matices que sí incluían los discos de Joy Zipper, guitarras más potentes, esas canciones tan parecidas a los Pixies, un sonido más endurecido alternado con piezas abiertamente pop. Sin duda aquel era un universo sonoro más rico y más atractivo para el aficionado. En todo caso, no deja de ser una buena noticia la vuelta a la actividad musical de los señores Tindale.

Quique González y Los Detectives, concierto en el Circo Price, sábado 9-7-16

La jornada del pasado sábado fue tremenda en la Capital por el calor, todo invitaba a quedarse debajo del aire acondicionado o de un ventilador tomando algún refresco bien frío. Los que asistimos al Circo Price al concierto de Quique González en el Circo Price pensábamos que íbamos a pasar un buen rato en un local climatizado y con buena acústica, escuchando un rato de buena música... Ingenuos, el temple de Quique González y Los Detectives, el rock and roll que desplegaron, el cancionero elegido y la actitud que mostraron subieron todavía más la temperatura a base de pura emoción. 

                                 

El concierto empezó casi con puntualidad británica, tras los 5 minutos de cortesía para los más retrasados. Arrancó con la 'cara A' del nuevo disco de González, 'Me Mata Si Me Necesitas', de tal manera que con 'Se estrechan en el corazón' llegó el primer nudo en la garganta para el respetable. 'Charo' esa pieza maestra del pop, cantada a la par con Carolina, del grupo Morgan y quién está de gira con el grupo, subió la adrenalina del Price. 

Tras 'Cerdeña', Quique González anunció un repaso a sus trabajos anteriores. Fue precisamente en este punto, con temas como 'Kid Chocolate', '¿Dónde está el dinero?' y 'Tenía que decírtelo' cuando Quique González y Los Detectives terminaron de noquear al público, alcanzaron un nivel de intensidad y emoción en su música muy difícil de igualar. Desde la grada se nota que los músicos disfrutan con lo que están haciendo, se cruzan gestos y miradas de complicidad, se juntan para dejar el protagonismo a Carolina cuando le toca cantar... A veces daba la sensación de estar viendo a Springsteen y la E Street Band. 

Hubo invitados en el escenario, dedicatorias e incluso lugar a la tristeza, cuando González encaraba los primeros acordes de 'La casa de mis padres', compuesta al poco de fallecer su padre, tuvo que parar y pedir volver a empezar: 'tocarla en Madrid se hace muy difícil', acertó a decir ante la ovación del público. Volvieron los temas de la 'cara B' del nuevo disco, con la sobresaliente 'Orquídeas', aunque fue con 'Salitre' cuando el Circo Price se vino abajo. 

Los asistentes nos quedamos con las ganas de más, pero los horarios del local lo impidieron, una verdadera lástima. Esta noche, Quique González y Los Detectives vuelven al Price y parece que todavía quedan unas pocas entradas. El que pueda que no se lo pierda. 

Quique González y los Detectives Salvajes - Me Mata Si Me Necesitas

Han pasado casi dos meses desde que este disco ha visto la luz y lo cierto es que no dejan de llegar noticias de la emoción que desprenden los conciertos de la gira de presentación de este nuevo trabajo de Quique González. Ésta empezó en Pamplona en el lejano 1 de abril y se va a prolongar a lo largo de esta primavera y buena parte del próximo verano, que ya va llegando.

                                                            

Quique González se encuentra en el punto en el que se juntan el rock, el pop, el country y el folk. Cualquiera que escuche Me Mata Si Me Necesitas puede etiquetar este disco en cualquiera de estos cuatro estilos musicales, y tendrá razón, pero lo innegable es que Quique González tiene su propio sonido, su propio sello: Se Estrechan En El Corazón es un perfecto ejemplo. Con Orquídeas también parece que estas escuchando a Springsteen y la E Street Band. Charo en cambio tiene todo lo necesario para llegar a ser un himno pop con vocación de hit: una preciosa melodía, una letra pegadiza y la voz de Carolina Morgan ¿qué más se puede pedir? Me Mata Si Me Necesitas tiene en total apenas 10 canciones, 10 historias intimistas, algunas alegres otras no tanto, ay, la ley de la vida. El resultado global es un disco bastante bueno, a perdurar en la memoria del aficionado.

Lo interesante de Quique González es, aparte de su música, escuchar lo que dice cuando le preguntan por las cosas que te pasan a tus vecinos y a ti mismo, cuando sabes (ver su entrevista en Líbero) que ha vivido la antigua y tristemente desaparecida Ciudad Deportiva de la Castellana, cuando sabes que buscaba el autógrafo de tu mismo ídolo de la infancia que no es otro que Carlos Alonso 'Santillana', tiempos de clase, honestidad, lealtad, camisetas de algodón y madridismo puro y duro. Desde luego alguien así, necesariamente, tiene que ser de fiar. Me Mata Si Me Necesitas, nuevo disco y gira de Quique González.

We Can Do Anything, nuevo disco de Violent Femmes

El pasado 4 de marzo salió a la venta el nuevo trabajo de Violent Femmes. Es el primer disco desde el ya lejano Freak Magnet (2000) recopilatorios posteriores mediante y luego de idas y venidas de Víctor de Lorenzo y de trifulcas legales entre Brian Ritchie y Gordon Gano. En el haber de Violent Femmes están los legendarios álbumes de los 80, discos históricos que marcaron el sonido de aquella década, pero el riesgo es que todo lo que hagas después sea comparado con esos himnos.

                                                              

Lo innegable es que We Can Do Anything es fiel al sonido de los Femmes, rotundas líneas de bajo acustico, escobillas machaconas sobre la caja y una sola guitarra manteniendo el ritmo. La voz de Gordon Gano es posible que haya suavizado ese tono obsesivo e hipnótico de los míticos vinilos de los 80. Ahora parece más orientada a profundizar el lado folk de Violent Femmes acompañado de ritmos no punk, pero sí rock y pop.

Traveling Solves Everything, Memory y Holy Ghost son, del nuevo cancionero, los temas más próximos a lo clásicos;I Could Be Anything es festiva y folkie; Issues abiertamente pop... En total son 10 nuevas canciones que si bien no muestran a unos nuevos Violent Femmes, muestran un sonido algo renovado pero fiel y sobre todo digno con la trayectoria de este grupo.

Hinds, en directo hoy y mañana

Este grupo, anteriormente conocido como Deers, viene respaldado por la aclamación y repercusión que ha tenido su corta carrera desde fuera de España está en plena gira presentando su nuevo disco Leave Me Alone, lanzado a la venta el pasado 8 de enero, coincidiendo en la línea de salida con el Blackstar de Bowie. Un legendario veterano que se va, sangre joven que irrumpe con fuerza.

                                                           

Este primer disco incluye las primeras canciones que sirvieron a Hinds de catapulta a la fama, con elogios de la prestigiosa publicación NME, su canción Garden fue seleccionada en la mítica NPR norteamericana, The Guardian les consideró la banda de la semana en septiembre de 2014, han tocado con Black Lips, Kooks, Primal Scream... y todo esto con un puñado de canciones publicadas en internet.

Hinds tienen influencias muy reconocibles, guitarreras, tocan garage suelen decir de ellas, pero por ejemplo Castigadas en el Granero tiene fuertes reminiscencias de los Pixies más pop, Bamboo es rock hecho a base de pura vitalidad. Carlotta Cosials, Ana García Perrote, Ade Martín y Amber Grimbergen estarán hoy en Barcelona en la sala Sidecar y mañana en la 8ymedio de Madrid.

Conociendo a Raul Seixas

A veces por suerte o por obra del puro azar resulta que conoces a un músico que es leyenda allí donde hizo carrera, es cuando uno desarrolla la genuina sensación de haber descubierto América en pleno siglo XXI. Con Raul Seixas así ha sido el caso. Un compañero de trabajo viaja a Brasil de vacaciones y comparte los descubrimientos conocidos, Raul Seixas en graffitis, en conversaciones con la que se encontraba durante el viaje, en la música que suena a través de una emisora de radio local. Hablamos de uno de los pioneros del rock en Brasil con una peculiar trayectoria que, desgraciadamente, tiene un trágico final.

                                                         

Nacido en 1945 en Salvador de Bahía, Raul Seixas se inicia en la música por influencia de Elvis, Bill Halley, Joao Gilberto y Luiz Gonzaga. Muy joven formó Os Panteras donde tocaban una original mezcla de rock clásico con 'baiao', interpretando las canciones de Gonzaga. Raulzito e Os Panteras fue el primer disco que publicó Seixas con su grupo, con textos basados en cuestiones filosóficas, el álbum fue un completo fracaso. Esto fue en 1968, ya en los 70 Seixas conoció a Paulo Coelho quien participará en la composición de los futuros éxitos musicales de Seixas. A lo largo de esta década fue cuando vieron la luz las mejores canciones del músico brasileño. En los 80 la producción musical de Seixas se vio afectada por problemas de salud y con las compañías discográficas, aun así cosechó nuevos hits como Cowboy Fora-Da-Lei y Capim-Guiné. En 1989 se asoció con Marcelo Nova -creador del grupo punk Camisa de Venus- y juntos lanzaron el álbum Panela do Diabo. La gira que acompañó al disco debilitó todavía más la maltrecha salud de Seixas, falleciendo el 21 de agosto de 1989.

Del cancionero de Seixas sorprendente la extraordinaria heterogeneidad y versatilidad de sus composiciones. Al Capone es un rock and roll clásico; Gita podría perfectamente formar parte de la banda sonora de las películas míticas de los 70; O Trem Das 7 es una canción realmente épica; A Maça nos revela un Seixas ensoñador con un cierto toque beetleiano; Eu Também Vou Reclamar es un tema abierta y agradablemente country ¿qué tal habría quedado añadiendo un banjo? Seixas también tiene canciones chirriantes, irritantes, como es el caso de Mosca Na Sopa.

O Homem, Dentadura Postiza, Sociedade Alternativa, Metamorfose Ambulante... tantos buenos temas y tan poco espacio en un solo post, dan para crear un blog temático, no en vano fueron veinte largos años de música los que nos ha dejado Raul Seixas marcados por su voz a veces rasgada y susurrante. Su temprana y desgraciada muerte le convirtió en un mito en Brasil.






*Los datos de la biografía de Raul Seixas de este post han sido obtenidos de su perfil en AllMusic.com

Sandinista! el difícil cuarto álbum de The Clash

Publicado a finales de 1980, lanzado en el Inglaterra como triple LP a precio de uno sencillo -no fue el caso de España-, nació con la difícil papeleta de seguir al London Calling, ni más ni menos. Seguramente, Sandinista! fue el principio del fin para The Clash, tanto a nivel creativo como grupo musical.

                                                                

Las mejores canciones

De este disco siempre se ha dicho que habría sido una excelente obra de haber filtrado las 35 canciones que se publicaron en el vinilo triple. Igual habría dado también para un buen doble de haber seleccionado las mejores canciones del Black Market Clash, EP casi LP colocado en medio de London Calling y Sandinista! y sumarlas a este último. Aun así, el Sandinista! tiene grandes temas y de variados estilos: joyas pop como Hitsville UK, cantada por Ellen Folley pareja en aquellos días de Mick Jones o Version City, qué clase; canciones de alta carga política: Washington Bullets, The Call Up; excelentes rocks Somebody Got Murderer, Up In Heaven (Not Only Here), Police On My Back; The Magnificent Seven, primera grabación de rap en el Reino Unido, según la web del grupo; la apocalíptica Charlie Don't Surf...

En las canciones salvables de Sandinista hay algunas que son difíciles de clasificar en un estilo musical: Rebel Waltz, da la sensación de introducirnos en un mundo onírico de ejércitos pasados, derrotados, guitarras acústicas con amplias reverbs que nos trasladan a tiempos pasados; Something About England; el violín enloquecido de Tymon Dogg de Lose This Skin y las cortas pero intensas Look Here y The Leader, ideales para cuadrar la música en las caras A y B de una cinta de cassette.


Experimentaciones prescindibles

Es verdad, Sandinista! tiene muchas canciones prescindibles, o lo que es peor, no se ve el sentido. Claro ejemplo es Mensforth Hill, cómo The Clash pudo publicar algo así. Shephers Delight que cierra el triple álbum, es otro claro ejemplo de experimentación en un callejón sin salida. One More Time, es un corte tirando a pasable, con un rap insertado en él no entendible, lo curioso es que tiene su propio cover dentro de Sandinista!, pero bajo los cánones del dub, no es otra que One More Dub. Version Pardner, versión de Junco Partner es otra de las curiosidades que ofrece el cuarto álbum de The Clash, sin mucho más que aportar.

Mick Jones decía en 1980 de Sandinista! que lo imaginaba, por ejemplo, para los trabajadores de una plataforma petrolífera, para alguien que durante un largo tiempo tiene que estar en un sitio donde lo poco que puedes hacer en tu tiempo libre es escuchar un disco. Es posible que oír estas experimentaciones sonoras cobren sentido con el tiempo, a quien esto escribe no le ha ocurrido y lleva casi 30 años en ello. Pero siempre conviene tener más opiniones, Diego A. Marique dedicó el pasado mes de julio uno de sus Amplificadores del diario El País al Sandinista! También, el librito de Sagrario Luna para la editorial Cátedra dedicado a The Clash en 1988 es otra de las guías en castellano para conocer y saber más de Joe Strummer y compañía. Amable lector ¿cuál es su canción favorita, prescindible, o no, del Sandinista!?