Cuando
leemos la notas del co-editor del libro, Manuel Moreno, de la
periodista Esther Peñas y la introducción del autor, Fernando
Márquez, comenzamos a darnos cuenta de las emociones que vamos a
descubrir luego de estos prolegómenos. Nos disponemos a conocer a
Gloria Van Aerssen y Mari Carmen Santonja, artísticamente conocidas
como Vainica Doble. Esta obra de Márquez fue publicada originalmente
en 1983 por la editorial Júcar, dentro de la mítica colección Los
Juglares y ahora ha sido reeditada por La Fonoteca y Libros
Walden.
La primera parte del libro recoge tres entrevistas que
Márquez tuvo con Gloria y Mari Carmen. A través de éstas,
conocemos sus orígenes modestos pero exigentes en lo cultural: en
casa no entraba un libro mal editado o mal ilustrado,
declaran a Márquez.
Las
vainicas
se revelan unos personajes con obligaciones familiares pero a la vez
con actitud bohemia y de carácter encantador, no faltan en su
vocabulario palabras como pichinglis,
fumetti u
otorgan motes como chinorris
a las personas de su entorno.
Los comienzos musicales de
Vainica Doble no fueron fáciles, inquietas en la educación musical
y autodidactas, empezaron a relacionarse con humoristas, escritores y
cineastas. De esta manera, comenzaron componiendo la cabecera de
varias series dirigidas por Jaime de Armiñán para RTVE en los años
60. Más fans de los Beatles y los Rolling Stones que de Elvis, en
los 70, después de colaborar en la banda sonora de películas de
Iván Zulueta y José Luis Borau, se lanzan de lleno a la música
acompañadas de Los Tickets, antecedente de lo que sería un poco más
tarde Asfalto. A partir de ahí, todo es sobradamente
conocido.
Terminadas las entrevistas de Márquez a las Vainica
Doble, incluida una sabrosa
pelotera
entre ellas a cuenta de una de sus canciones, el Zurdo comenta la
discografía completa del dúo. Acto seguido, vienen los testimonios
de destacados fans de Vainica Doble. Son personajes tan dispares como
el ya nombrado Jaime de Armiñán, Juan de Pablos, Luis Eduardo Aute,
Caballero Bonald y Cristóbal Halffter entre muchos otros. Las
palabras únicas, divertidas, brillantes, elegantes, mágicas,
tiernas, extraordinarias, son las más utilizadas por todos sus
seguidores para definir a Van Aerssen y Santonja. Quien esto escribe
comparte plenamente experiencia vainica
con Teresa Iturrioz, bajista y vocalista de Aventuras de Kirlian: a
pesar de los innumerables elogios y reconocidas influencias del dúo
en músicos míticos, Vainica Doble no me entraban, hay que
reconocerlo. Hasta que he leído la reedición de este libro no he
podido comprender a Gloria Van Aerssen y Mari Carmen Santonja, y lo
que es mejor, empiezo a apreciar su música, letras e increíbles
voces, en definitiva a admirar su arte. A partir de ahora, este
bloguero se declara seguidor incondicional de Vainica Doble, mi
agradecimiento eterno a La Fonoteca y Discos Walden por haber
rescatado este libro y por abrirme los ojos y la mente a Vainica
Doble.
La Fonoteca y Libros Walden están especializados en la
edición discográfica y bibliográfica para dar a conocer a nuevos
grupos y reivindicar nuestra historia musical, como explican desde la
página de La Fonoteca. Aquí ya hemos
comentado los libros Música Moderna, también
de Fernando Márquez y Punk, pero ¿qué punk? de
Tomás González Lezana. No sé si sería mucho pedir una reedición
de los discos de Vainica Doble... Estaremos atentos.
Basada
en la novela de Nick Hornby, Juliet,
desnuda
es una comedia romántica, pero no al gusto del mainstream, la
película tiene mucho más en común con Alta
fidelidad
que con Notting
Hill,
por poner dos ejemplos. Los personajes creados por Hornby, con una
vida acomodada y sin demasiados problemas, descubren cuando llegan al
ecuador de sus vidas que aquello no era lo que esperaban.
Duncan,
profesor universitario, lidera a través de su blog a una comunidad
virtual de pirados fanáticos de Tucker Crowe, un músico que lanzó
un único disco, titulado Juliet,
desnuda,
a principios de los años 90 para luego desaparecer del mapa. Esta
grabación es considerada de culto por Duncan y sus seguidores,
quienes debaten por cada verso del cancionero del álbum y por cada posible foto
o aparición del músico, como si Crowe fuera el mismísimo Bob
Dylan. Annie, mujer de Duncan, vive bajo la sombra de la obsesión de
su marido hasta que un inesperado giro hace que todo cambie para los
tres protagonistas de esta historia.
El detalle que más llama
la atención de Juliet, desnuda es el personaje de Duncan. Dibuja muy
bien el estereotipo del aficionado a la música pelma, pedante y que
se sorprende de que sus ídolos no tengan tan buena memoria como
tienen ellos, alimentada por su propia obsesión. La película, en
líneas generales, es muy agradable de ver, tiene toques de humor, se
desarrolla en un pueblo encantador y cuenta además con las buenas
actuaciones de Chris O'Dowd (Duncan), Rose Byrne (Annie) y Tucker
Crowe (Ethan Hawke). En definitiva, es una buena comedia para meterse
en el cine en una tarde invernal. Dios salve a Nick Hornby.
José
Luis Cuerda lo ha vuelto a hacer, casi 30 años después del estreno
de Amanece
que no es poco
ha creado un nuevo relato a la altura de aquel, donde el humor
absurdo, el surruralismo,
el ingenio, las actuaciones de primer nivel, la crítica al mundo que
nos rodea (poco han cambiado las cosas para ser el año 9177, milenio
arriba o abajo) y la originalidad brillan por su presencia.
En este lejano año, dos de los edificios más singulares de Madrid, las
Torres Blancas y la sede del Instituto del Patrimonio Cultural de
España, popularmente conocido como la corona
de espinas,
se han fusionado y se han convertido en el Edificio Representativo.
Allí viven los privilegiados que cuentan con un oficio, orden,
seguridad y una peculiar administración municipal y de Justicia.
Mientras, los parados viven en barracones ubicados en un bosque
cercano. Eso es todo lo que queda del mundo tal y como lo conocemos
hoy en día.
A partir de ahí, se suceden delirantes
secuencias, reflexiones filosóficas, aforismos, declamaciones de
poemas en lugares comunes que parecen olvidados en el imaginario
colectivo actual, convertidos en ágoras donde se agudiza el ingenio
y la retranca está al orden del día. Buena parte de los diálogos
de Tiempo
después
los veremos dentro de poco reflejados en camisetas o siendo parte de
las conversaciones de la legión de seguidores de este cine, tal y
como ocurre todavía hoy con Amanece
que no es poco.
Como
decíamos en las primeras líneas de esta entrada, las actuaciones
del reparto coral de Tiempo
después
son magníficas, partiendo del siempre solvente Manolo Solo, pasando
por Gabino Diego y terminando por el gran Miguel Rellán. Es
imposible destacar a todo el elenco. Ciertamente divertido es darse
cuenta de la multitud de cameos que hay a lo largo de la película.
Hasta el mismísimo Joaquín Sabina pone su grano de arena en esta
historia con la canción original de la cinta. Tiempo
después,
estrenada con mucho acierto el día de los inocentes, ha llegado para
quedarse y para enriquecer, todavía más, la filmografía de José
Luis Cuerda, el acabose del cine español.
Cuando
cualquier atisbo de civilización desaparece y la ley brilla por su
ausencia, cuando todo está destruido, no hay comida, ni agua y
sobrevivir es algo irracional, hay tipos que contra toda lógica no
sólo no huyen sino que además se ponen del lado de los más
desfavorecidos y luchan para que el resto del mundo sepa lo que
ocurre en esa esquina del mundo olvidada por el resto de la
Humanidad. Uno de estos tipos se llamaba Richard Kapuscinski y
escribió un libro con el mismo título en el que se basa esta
película dirigida por Raúl de la Fuente y Damian Nenow.
Un
día más con vida
se divide en dos partes, la primera, animada, narra las aventuras de
Kapuscinski en Angola en 1975, cuando Portugal abandona su antigua
colonia. Tanto EE.UU. como la U.R.S.S. intentan conquistar el nuevo
país con el objetivo de hacerse con sus recursos naturales: los
yacimientos de petróleo y las minas de diamantes. La segunda parte
es una trama documental donde los personajes reales que participan en
la historia dibujada nos relatan su experiencia en primer e íntimo
plano.
El mérito real de Un
día más con vida,
aparte de mostrar con todo lujo de detalles el horror de este
conflicto armado y el hecho de ser un país codiciado por las dos
súper potencias, es poner al espectador en los zapatos del reportero
de guerra y de los dilemas que tiene que afrontar a la hora de
ejercer su profesión en tan dramáticas circunstancias, en hacerle
reflexionar sobre qué hacer cuando estás en medio de la sinrazón y
la locura. En el aspecto puramente audiovisual, la cinta es
espectacular: onírica, hipnótica, dramática, cuenta con un montaje
trepidante y todo ello acompañado de unos testimonios documentales
demoledores. Un
día más con vida
ha venido para ser un clásico del cine anti bélico.
Siempre
hay que pasar por caja en El
reino
de Rodrigo Sorogoyen y lo más importarte, hay que ser fiel súbdito
y obediente a lo que te dicen. Por mucho que hayamos leído
reportajes periodísticos o películas acerca de la corrupción,
léase B,
la película,
uno no sale de su asombro al ver determinadas escenas, escuchar
ciertas conversaciones y observar ciertas conductas.
Un grupo
de políticos miembros del Partido
viven instalados en la mentira, el lujo y la ostentación, pero las
cosas comienzan a torcerse dentro del grupo de cómplices. La lucha
por la supervivencia comienza y no va a haber prisioneros, nunca
mejor dicho. Más allá de la narración de la propia historia de El
reino
y de reflejar una de las peores épocas del panorama político
español, la cinta de Sorogoyen tiene el indudable mérito de colocar
la pelota en el tejado del espectador mediante agudos mensajes y
hacerle reflexionar, le coloca delante del espejo. El papel jugado
por los medios de comunicación durante este tiempo tampoco sale
indemne de este sarao.
El reparto de El
reino
es otro valor añadido a la película. Antonio de la Torre marca otro
hito en su carrera y deja, junto a Luis Zahera, una secuencia que
será recordada por mucho tiempo en el cine español. Josep María
Pou, Ana Wagener, Nacho Fresneda, Bárbara Lennie y Mónica López
completan el elenco de personajes de esta historia que merece
permanecer en la memoria colectiva de este país, más que nada para
evitar caer en el mismo error.
El
próximo domingo se celebrará la Asamblea de Socios Compromisarios
del Real Madrid. Hace unos días saltó la sorpresa al conocerse que
el actual Presidente y su Junta Directiva pedirán permiso en esta
convocatoria, como obligan los estatutos, para endeudar al club
durante los próximos treinta años por un importe de 575 millones de
euros para financiar las obras de remodelación del estadio Santiago
Bernabéu. Ya saben, se trata de la faraónica obra que pretende
envolver de una capa metálica su actual fachada y además techar el
campo. Esta nueva transformación del coliseo del Paseo de la
Castellana es una promesa incumplida por el señor Pérez desde el
año 2004. Una vez que ha fallado el plan de encontrar la
financiación necesaria a cambio de patrocinar el nombre oficial del
estadio, el sr. Pérez pretende costear las obras directamente con el
patrimonio del Club.
Lo primero que llama la atención ha
sido el hecho de que la Junta Directiva pida permiso sólo a los
socios compromisarios, miembros de una asamblea que salió de las
elecciones celebradas en 2016. Hablamos de un proceso electoral en el que el censo de los
millares era denegado a los candidatos, donde para ejercer el derecho
al voto por correo se exigía un aval notarial que suponía adelantar
100 euros del propio bolsillo del votante. Por todo ello, todos los
socios del Real Madrid, no sólo los compromisarios, auténticos
dueños del club según las propias palabras del sr. Pérez, deberían
decidir si el club debe meterse en este berenjenal o no.
Hay
quién ve en esta nueva actuación la continuación en el devenir
histórico del club desde los tiempos de Bernabéu. Vayamos por
partes. Don Santiago, cuando accedió a la presidencia del Real
Madrid, se encontró con el estadio de Chamartín prácticamente
derruido después de la Guerra Civil, un campo de unos 15.000
espectadores creado para acoger a los aficionados que fueron testigos
del paso del fútbol amateur al profesional. Convertir las cenizas
este viejo y querido campo en otro completamente nuevo, moderno y con
capacidad de 120.000 espectadores y además convencer a los propios
socios de que financien la obra es una clara muestra de liderazgo, de
visión de futuro y de servicio al club.
En cambio, el sr.
Pérez quiere emprender una obra faraónica y gastar una barbaridad
de dinero, en lugar de hacerlo en fichajes o invertirlo en la
cantera, para convertir un estadio que ya tiene todas las comodidades
y es considerado 5 estrellas por la UEFA en otro muy distinto donde
tendrán cabida aquellos que en lugar de ver fútbol, se pasan el
partido haciéndose autorretratos y subirlos a Instagram, donde el
socio de a pie cada vez pinta menos y todo ello, por supuesto, sin
aumentar el aforo ni un solo asiento. Por tanto, esta reforma no es
obra de un adelantado a su tiempo, ni de un líder sino de alguien
que pretende pasar a la posteridad como yo
fui el que lo hizo,
por su ego mayúsculo, por culto a su personalidad. No se trata de
caer en el inmovilismo, nadie se niega a actualizar o a modernizar su
propia casa, pero 50 o 100 millones de euros dan para hacer muchas
cosas.
El domingo por la mañana podremos ver cómo discurre
la Asamblea a través de los medios de comunicación... no oficiales,
claro. El socio del Real Madrid se pregunta para qué tenemos un
canal de televisión en la TDT. En anteriores asambleas, Real Madrid
Televisión retransmitió única y exclusivamente el discurso del
presidente dejando fuera de la emisión las intervenciones de los
socios, para a continuación programar un partido del equipo alevín
o del cadete, curiosa manera de silenciar la opinión del socio de a
pie. Veremos qué pasa, pero desde este foro se pide que la consulta
se amplíe a toda la masa social y que este voto sea negativo al
endeudamiento salvaje, para que el Madrid sea de sus socios, para que
el estadio Santiago Bernabéu siga siendo la casa del madridismo,
para que el Real Madrid continúe invirtiendo sus recursos para
seguir teniendo la mejor cantera y el mejor proyecto deportivo.
Uno
sale del cine pensado si este no es otro caso de mala elección a la
hora de titular una película, ya que la traducción literal al
castellano del noruego Hva
vil volk
sería: lo
que dirá la gente.
Es posible que el espectador, al ver los anuncios del film, crea que
va a ver una encantadora road
movie oriental,
pero nada más lejos de la realidad.
El
viaje de Nisha
es la recreación, dramatizada convenientemente, de la experiencia
personal de Iram Haq, directora de la cinta. Más allá del choque
cultural, que lo hay, estamos delante de una película de conflicto
generacional. Amir, el padre de Nisha, vive más preocupado de ser
socialmente aceptado por su comunidad que de la felicidad de su
propia familia. Así, el círculo vicioso de los miserables, de los
pobres de espíritu y de los cortos de miras se alimenta a sí mismo
bajo la premisa de las leyes de la ortodoxia de los necios: es más
importante que los vecinos nos sigan saludando por la calle que
nuestra hija tenga una vida plena de acuerdo al lugar donde vive.
De
nacionalidad noruega, alemana y sueca, El viaje de Nisha nos enfrenta
a un buen drama sostenido por un grupo de jóvenes actores. Maria
Mozhdah, (Nisha) debuta en la gran pantalla con nota; Rohit Saraf
(Amir) y Ali Arfan (Asif) dan la réplica a los veteranos Adil
Hussain (For real, Lesson in forgetting, El fundamentalista reciente,
The Xpose) y Ekavali Khanna, experta actriz de Bollywood. Aunque esta
película fue producida en 2017, se ha estrenado en España el pasado
17 de agosto.
